Tango Cultura

EL TANGO SE MIRA A SÍ MISMO

2011-12-15T05:19:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina
walter.celina@adinet.com.uy – 10.12.2011

El tango, expresión de la sensibilidad rioplatense, se expandió por las riberas del mundo occidental por mérito propio y, ya crecido y consolidado, ha sido llevado a la categoría de patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO, la rama de Naciones Unidas especializada en asuntos de la cultura, la ciencia y la educación.
Es un tríptico que concertando melodía, canto y danza, desborda sus componentes para asociarse con la poesía. En tres minutos, o poco más, forja una elaboración artística, inconfundible y nada común con las músicas de los pueblos.
¿Se muere el tango?
Interpreto, a despecho de la prestigiosa opinión de Rodolfo Mederos, gran músico argentino, que como producto vivo, enraizado en la savia del colectivo rioplatense, tiene la propiedad de la permanencia en el cambio. Cual si se tratara de un majestuoso árbol que amplía sus brazos, florando para nuevos frutos.
Es que si la sociedad cambia, todo lo que de ella dimana, sufre transformaciones.

Las músicas más sofisticadas -conocidas como clásicas- no provienen de actos mágicos. Los golpes significativos de personalidad siempre exhiben determinados soportes inherentes a las comunidades en que se originan.
Para citar apenas un nombre pionero, el de Ástor Piazzolla -en una galaxia de artistas tantas veces olvidados-, diría que, con él, el tango cobra valor y enjundia clásica. Sobre las estructuras más transitadas surge otra, con variantes, que enaltece a la anterior y no la desmiente.
En un reportaje concedido a Laura Falcoff, en la Buenos Aires de siempre, Mederos que es un discípulo creativo de Piazzolla, confesaba una decepción compartible: “no creo que puedan volver los músicos, ni los poetas de otras épocas.” Tan entendible que, como él sostiene, todo “ha cambiado de manera sustancial”.
Sin embargo, existe un mundo irreductible, formado por las orquestas, cantantes y poetas que integraron los capítulos vigorosos de esta música, que siguen proporcionando deleites y ofreciendo sus historias para amplísimas reflexiones que, por comodidad, llamaría históricas o sociológicas.

Juan Campodónico es un joven músico uruguayo, fundador de lo que inicialmente se denominó Bajofondo Tango Club, hoy trasmutado en sonido Bajofondo.
A los compases tangueros sumó voces, como las culminantes en la transmisión de un evento futbolístico.
¿Eso era tango? ¿Y por qué no? Para algunos un tango peculiar, con mucho de objeto en un banco de pruebas.
Entrevistado por Alejandra Volpi, manifiesta este cultor -vinculado a agrupaciones de géneros populares distintos-, que “a veces la música es más poderosa que el mismo marco social”, añadiendo que “la belleza está en todos lados. “Con Bajofondo -reconoció- retomamos los gestos del tango que eran cosas propias de generaciones anteriores”. Rememoró que “el tango nació en los burdeles; originalmente tenía una forma rústica y eso fue cambiando. Por suerte, hubo gente poco prejuiciosa, de lo contrario, hubiera quedado ahí.”

Hace algunas semanas el mítico Mariano Mores estuvo en Montevideo, acompañado de su sexteto, vocalistas y de su entrañable familia.
Le revelaba al colega Carlos Reyes que fue en Montevideo donde sacó patente de compositor y que, su recordado Cuartito Azul lo consagró, como su primer éxito, en esta ciudad.
Luego vendrían Gricel, Uno, Cafetín de Buenos Aires y, como para compartir un sitial de privilegio con La Puñalada (de Pintín Castellanos), la magistral milonga Taquito Militar.
Marianito, con 93 dinámicos años, está en un punto indisputable del tango-canción. ¿Y cómo lo vive? Sin escepticismo alguno. “Lo primordial -aprecia- es la música en su conjunto”. Ella necesita “un color, una suerte de gusto y de romanticismo, que no deja de pasar por la vida de uno”. Quizás, de este modo, sea porqué sus elaboraciones en el pentagrama hacen simbiosis con letrísticas que tocan el alma. Tienen la propiedad de ir de generación en generación. Son trozos de roca dura de un tango más que cincuentenario. Flor que no desvanece su aroma.

El tango vive. No tiene partida de defunción.
Es algo así como una belleza cervantina, incapaz de negar los mundos mágicos de los García Márquez.
Sigue siendo “Lo que vendrá”, sentenciaría el maestro Ástor Piazzolla.

(Citas: “El País”, Uruguay, 17.06, 16.07 y 06.11 de 2011)

TANGOS EN LA TERAPIA NEFROLÓGICA

2011-11-14T03:26:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina
walter.celina@adinet.com.uy – 08.11.2011

Puede que para muchas personas resulte extraño asociar la medicina nefrológica con el tango, la música que echara a andar antes del pasado siglo y cautivara al Río de la Plata, al resto de la América Latina y abriera un gran espacio en países europeos, llegando a los estudios fílmicos de Estados Unidos.
Sin embargo, no debiere considerarse sorpresiva la existencia del vínculo, en función de algunos antecedentes, a los que me remitiré de manera sucinta.

Anoto, a modo de precisión preliminar, varios conceptos.
La palabra medicina proviene del latín (mederi), lengua en que significa curar, cuidar, medicar. Se le caracteriza como ciencia y arte que trata de la curación y la prevención de la enfermedad, así como del mantenimiento de la salud. La nefrología es la rama especializada en el estudio del riñón. Terapéutica refiere al tratamiento de las enfermedades.
Desde épocas remotísimas, la música ha acompañado la evolución de la sensibilidad del hombre, integrándose a filosofías, credos, ritos, solemnidades y, en la modernidad más actual, al entretenimiento individual y colectivo, a los espectáculos de masas concentradas y a los escenarios globales, conectados bajo las tecnologías de la comunicación instantánea.
La musicología, como disciplina académica, expande su campo de investigación, más allá de los procedimientos técnicos y propósitos estéticos, para apreciar los efectos en el psiquismo de los sujetos, circunstancia esta que en occidente tuvo muestras relevantes en las políticas religiosas.
Mucho más atrás, hace 2.500 años, la cultura en China estuvo centrada en las enseñanzas del filósofo Confucio. La composición acústica era concebida como un medio para “calmar las pasiones y asegurar la armonía pública”, pero no orientada a la distracción o el recreo. Era un segmento de los rituales monárquicos.
En otras regiones, la interpretación melódica no debía servir al ocio sino a la purificación del pensamiento de cada uno. Algo relativo al bienestar interior del sujeto.
En Grecia, el sabio Pitágoras (530 a.C.) y su escuela buscaron conciliar la vieja visión mítica del mundo con el interés por una explicación científica. El sistema de filosofía resultante -el pitagorismo- aunó creencias éticas, sobrenaturales y matemáticas. Los pitagóricos sostenían que el alma está prisionera del cuerpo y se reencarna a la muerte, con sujeción al grado de virtud alcanzado.
A ellos correspondió descubrir las leyes matemáticas del tono musical. Sostuvieron que el movimiento planetario produce una “música de las esferas”, existiendo una “terapia a través de la música”. Por estos enlaces la humanidad lograría encontrar su compatibilidad con el mundo exterior.
La salud supone la idea de armonía, tanto al interior del individuo, como hacia su externidad.
En nuestras riberas, hace pocas décadas, la pedagoga tucumana Violeta Hemsy de Gainza -considerada una autoridad en educación musical-, ha sido cofundadora de la Asociación Argentina de Musicoterapia. La entidad añade a la ciencia el arte del sonido armónico, dirigiéndose a restablecer un grado de equilibrio para el buen funcionamiento del organismo.
Y, a todo esto, el tango es convocado, también, al mundo de la músicaterapéutica.
La inteligencia en medicina, tiene una modalidad superior y es la sabiduría con que un profesional actualizado puede combinar los métodos de ciencia con otros -como los rítmicos-, para producir mejoría y recuperación.
El Dr. Gerardo Pérez es médico nefrólogo y bandoneonista. Admitiendo la rigurosa disciplina que implica la diálisis para un enfermo, concibió la posibilidad de acompañar sus sesiones médicas ejecutando tangos. Comprobó que este aditamento eleva el estado de ánimo de los pacientes. Unos reconocen los temas, otros los tararean y no faltan quienes cantan las letras. Recuerdan momentos vividos en bailes y fiestas y lo hacen con alegría, sin perturbación emotiva.
La musicoterapia tanguera ha dejado de ser una experiencia en una determinada clínica.
Ahora el médico uruguayo ensambla su orquesta con otros colegas, a la que han denominado “Buena Praxis”. Abrigan el propósito no sencillo de llegar a los hospitales.
El galeno tanguero está en obra con otros profesionales y, con sus pacientes, promueven ámbitos de restablecimiento disfrutables.
Ahora en los consultorios desfilan las partituras, siempre queridas, de Canaro, Troilo, Piazzolla y otros célebres, saludados con la sonrisa amiga del hombre del gacho gris: ¡Don Carlos Gardel!

ÁSTOR PIAZZOLLA O LA REVOLUCIÓN EN EL TANGO

2011-08-29T03:11:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

walter.celina@adinet.com.uy - 15.08.2011

Nacido Ástor Piazzolla en la ciudad atlántica de Mar del Plata (provincia de Buenos Aires), transitaría hoy los 90 años.
Su genio musical vive con intensidad, mostrándolo como un gran maestro, artífice de una nueva esencia tanguera. Fue en 1992 que simuló enfundar su bandoneón, para convertirse en sustancia íntima de la mega ciudad.
Hijo de inmigrante, él también lo fue. Residió en Estados Unidos hasta los 14 años (1922-1936). Allá, un amado Nonino puso sobre sus flacas piernas el instrumento de pliegues.
Por designio paterno debía amigarse con Mozart. Tan alto mandato lo cumplió a su modo. Mancomunó alma y pentagrama y dominó la técnica del acordeón germano-platense.
Atrapó la vivacidad y tristeza que impregnaba las melodías negras neoyorkinas. Frecuentó en el país lejano a Carlos Gardel. Lo miró y escuchó. Al descubrirlo, captó las multifacéticas aristas del tango. En 1934 le bastó ser pibe para integrar el elenco de “El día que me quieras”. En 1939, con 18 años -de los de antes-, es llamado a la fila de fuelles de Aníbal Troilo.
Su genio contó con la mano de Pichuco, fuelle sensible y transmisor de las células madre de las mejores guardias del género.
En Ástor nada de lo humano le fue ajeno. En la música, nada le resultó extraño.
Creció para transformarse en un depositario fiel del legado de Eduardo Arolas. Enalteció los sonidos más bonitos de la prosapia arrabalera. Su instrumento le confirió corte clásico a la vibración perfumada de las orillas.
Por consecuencia, al evolucionar, impactó. Y revolucionó. Como pocos, pudo haber dicho ¡Fui, vine, vencí!
En 1944 se aleja de la orquesta de Aníbal Troilo y construye una agrupación propia.
En forma subterránea numerosos líricos estaban amasando un tango de refinamiento intrépido. Él era uno más en el final centelleante del alumbramiento. En ese núcleo sobresalían talentos. Osvaldo Pugliese, con su hoja de ruta impar; Horacio Salgán, sabio superviviente; Enrique Mario Francini, Emilio Balcarce, José Bragato, Osvaldo Tarantino… Cantantes y poetas (mujeres brillantes), compositores e instrumentistas. Una horneada impar.
Piazzolla, músico con todas las letras, en 1953 concursa y parte hacia Francia.
Al retorno, convulsiona con el “Octeto Buenos Aires”. Entusiasmo y perplejidad. Debate e intolerancia.
Sobre el escenario mayor Ástor Piazzolla con su bandoneón. Está rodeado por los cruzados de la primera selección: Enrique Mario Francini y Hugo Baralis, violines; Atilio Stampone, piano; los bandoneones de Roberto Pansera y Leopoldo Federico (reemplazante); Horacio Malvicino, guitarra eléctrica; José Bragatto, violoncello; Aldo Nicolini y Juan Vasallo (reemplazante), bajos.
Es de recordar el pleito cuando los vanguardistas pisan Montevideo. El Club de la Guardia Nueva era filopiazzoliano, con pocas excepciones.
La claridad no llegaba a la masa tanguera. Existía una confusión pesimista. Algo así como si un ateo flotara casi perdido en la tormenta (evoco una pieza con letra resistente), con un chaleco de agnóstico… Sonaba a herejía abdicar del pasado. Más, era difícil rehuir al desafío. Por ahí me ubicaba yo.
La tendencia predisponía a muchos a apreciar como antitético, lo que no lo era.
Podía percibirse que algo de lo más reciente chirriaba con lo viejo, rutinario y escasamente bello; sin embargo, no era admisible despojarse de los aromas vitales del gardelismo, ni de los compases viriles, enérgicos o románticos que iban y venían, entrelazados por los Canaro, Biaggi, Laurentz, Lomutto, De Caro, Firpo, De Ángelis, Fresedo, Di Sarli, lo que concluía en la obra integral de Troilo y con el embrujo de Don Osvaldo marcando la gloriosa “Yumba”.
En la margen oriental, Pichuco ofició, en rigor, como el primer introductor de Piazzolla: “Triunfal”, “Lo que vendrá”, “Prepárense”… ¡Eran himnos precursores!
El argentino Dr. Luis A. Sierra -analista musicológico y visitante asiduo del club modernista liderado por Horacio Arturo Ferrer-, sostenía que había sido una “engorrosa aventura de adivinación” saber cuál era la orientación del trabajo del hijo de Nonino. Se apoyó en una concluyente afirmación de Piazzolla: “…Si bien no es tango, traduce el espíritu de la ciudad porteña de nuestro tiempo”.
Surgía una transfiguración de antiguos sentimientos, ahora sobrevolando y picoteando la urbe reductora del hombre.
La discusión tuvo mucho de precipitada, pasional y bizantina. Obvio, ya está sepultada: la sensibilidad agudiza los oídos y estos precisan del conocimiento musical.
Ástor Piazzolla, amistoso con los uruguayos, disfrutaba de los silencios costeros y del mar calmo; bravucón en la punta esteña.
En Maldonado se confesó y opinó. Creatividad: “Estoy comenzando una nueva etapa”. Exploración del instrumento: “Después de tanto tiempo he descubierto en el bandoneón nuevas posibilidades”. Jóvenes: “No saben cuando escuchan conjuntos como los Beatles, los Rolling Stones o Pink Floyd, que todos ellos han estudiado música”.
El hombre del Octeto devino a la forma Quinteto, la de su preferencia. Su carrera conoció cruces con personajes como Hermeto Pascoal, Gary Burton, Gerry Mulligan. Su consola era visitada por Brahms, Mozart, Schumann, Bartok, Ravel, Nono, Stockhausen y, preferentemente, por Stravinsky.
Con Ástor Piazzolla la música que bailaron mujeres vestidas de percal se trasmuta. Su armonía tangófila renueva emociones e predispone al éxtasis. Se hace acerada, a veces. Es, siempre, penetrante y hermosa. Como mujer envuelta en los giros del percal.-

MÚSICA DEL CLUB DE LA GUARDIA NUEVA

2010-08-03T14:37:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 02.08.2010

Boris Puga, un tanguero sistemático y explorador consecuente de la obra gardeliana, es un testigo fidedigno de una hermosa historia: la del Club de la Guardia Nueva.
Para la presentación de un CD del sello Ayuí, con la colaboración de la Intendencia Municipal de Montevideo, en que son recordadas cuatro formaciones musicales, el estudioso sintetizó la trayectoria de la recordada entidad.
De modo preliminar, cabe decir que las ejecuciones instrumentales corresponden a las agrupaciones de César Zagnoli (trío), Manolo Guardia (quinteto), Luis Pasquet (cuarteto) y Toto D’Amario (cuarteto).
En homenaje a la silenciosa y relevante labor de Boris Puga, tomo pasajes y conceptos de su informe. Forman parte de un capítulo que hace a los brillos musicales de un Uruguay que hizo del tango un himno cautivador.

“Un 8 de mayo de 1954 -recuerda- se funda en Montevideo el Club de la Guardia Nueva, mítica agrupación que se autodefinió como “institución meramente cultural dedicada al estudio y difusión del buen tango”. Fue concebida por Horacio Ferrer, Jorge Seijo y Rodolfo Rodríguez Lourido, junto a una pléyade de entusiastas jóvenes y periodistas especializados. Y agrega: Durante veinte años desarrolló una fecunda labor de exposición y valoración del tango auténtico de todas las épocas. Primeramente, sesionó en el 4º piso del diario “El País”, luego en la fonoplatea de CX 44 Radio Solís y, finalmente, en su legendaria sede de Soriano 1584 (una puerta pintada en naranja y otra en negro).”

Cuenta Puga que, entre diversas actividades, el Club dispuso de un sello discográfico propio, en el que registraron sus versiones agrupamientos locales.
Distinguidos compositores dedicaron obras a la institución de puertas negri-anaranjadas. “A la Guardia Nueva”, Aníbal Troilo; “Marrón y azul”, Ástor Piazzolla; “Yunquitango”, Héctor Stamponi; “Muchachada de ley”, Julio De Caro; “Profundo”, Juan M. Rodríguez; “A sugerencia del Club”, Luis Di Matteo; “Tangueando”, Oldimar Cáceres; “Muy de los muchachos”, Mario Colucci.

Una impresionante nómina de personalidades tangueras fueron recibidas con brazos abiertos en la entidad. Sin agotar la lista, Boris Puga cita a: Julio De Caro, Aníbal Troilo, Osvaldo Pugliese, Horacio Salgán, Ástor Piazzolla, Osvaldo y Emilio Fresedo, José Márquez, Lucio Demare, Carlos García, Máximo Mori, Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche, Alberto Marino, Raúl Berón, Elvino Vardaro, Héctor Stamponi, Leopoldo Federico, Ernesto Baffa, Enrique Mario Francini, José Bragato, Juan Vasallo, Atilio Stampone, Florindo Sassone, Emilio Brameri, Alfredo de Franco, Ismael Spiltalnik, Horacio Malvicino, Juan M. (Toto) Rodríguez, Armando Blasco, Alberto Suárez Villanueva, José Ranieri, Virginia Luque, Ángel Díaz, Roberto Pérez Prechi, Juan Carlos Lamadrid, Julio Huasi, Eduardo Adrián, Héctor Alvarado, Rodolfo Schiamarella.
Del medio nacional, añade a Zagnoli, Cáceres, Puglia, Pedroza, D’Amario, Cuenca, Di Matteo, Guardia, Pasquet, Carlevaro, Colucci, Martínez, de Lapuente, Lamarque Pons, Peppe, Casco, Silveira, Oberlín, Ríos, Fleitas, Nelson, de León, Maira, Mastra, Silva, Avlis, Luces, Yanelli.

Muchos de los arriba mencionados, rememora Puga, participaron en recitales auspiciados por el Club en diversas salas públicas de Montevideo.
El CD de Ayuí-IMM, de manera impecable, registra versiones antológicas de excelentes músicos uruguayos.

Trío de César Zagnoli, con el maestro al piano y arreglos propios, se integra con Raúl Jaurena (bandoneón) y Eduardo Trinchitella (contrabajo). Realiza: Crónica de tango, Verano porteño, La mariposa, Nochero soy y Orlando Goñi.
Quinteto de la Guardia Nueva, de Manuel (Manolo) Guardia, (piano y arreglos), Ariel Martínez (bandoneón), Sergio Furas (violín), Edunio Gelpi (guitarra eléctrica) y Roberto Capobianco (contrabajo). Temas: El monito, Sur, Prepárense, Tango del este, Sortilegio y Debussy.
Cuarteto de Luis Pasquet, con Pasquet (piano y arreglos), Juan Carlos Figares (violín), Víctor Addiego (chelo) y Néstor Casco (contrabajo). Piezas: Qué noche, Niebla del Riachuelo, La cachila, Loca bohemia, Rojo vivo, Rojo rosa y Rojo fuego.
Cuarteto de Toto -Edelmiro- D’Amario, (bandoneón y arreglos), Darwin Viscoso (piano), Sergio Furas (violín) y Solano Fernández (contrabajo). Interpretaciones: Tierra querida, Señor tango, Gallo ciego, Melancólico y Boedo.

Un aporte de calidad, por donde se lo examine.

IMPACTO DEL HABLA NEGRA SOBRE EL ESPAÑOL

2010-08-03T14:21:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Un concurso promovido por la Academia Nacional de Letras sobre Contacto del español con lenguas africanas en el Río de la Plata ha dado mérito a la publicación del premio obtenido por la investigadora Magdalena Coll.
Montevideana, nacida en 1968, es licenciada en lingüística de la Universidad Pública (UDELAR). Cuenta, asimismo, con un doctorado en lengua hispánica de la Universidad del Sur de California, Berkeley.

Uno de los efectos de la dominación española fue la imposición sobre la matriz preexistente de sus formas oral y escrita de comunicación. El choque producido por el conquistador afectó severamente e inhibió la cultura indígena.
Desde una posición prevalerte no pudo, sin embargo, evitar el impacto que sobre el castellano ejercieran el idioma lusitano y las distintas modalidades del habla negra, importadas bajo el régimen de la esclavitud.
Los efectos de las interacciones resultantes llevaron a la Academia Nacional de Letras a promover indagaciones en un capítulo casi desconocido, referido a las incrustaciones del habla de las naciones negras sobre el español rioplatense.

Al abordar su estudio, la autora hace justicia al instituto respectivo de la Facultad de Humanidades y Ciencias (UDELAR), cuyos estudiosos abrieron -hace unos 10 años- un capítulo virgen, sólo abonado por piezas exhumadas por historiadores.
Casi a modo de presentación del objeto propuesto a estudio, en su primera página, Magdalena Coll toma una cita de Daniel Gastón Schávelzon (1958, arquitecto, arqueólogo y antropólogo argentino) quien ha dicho: “Por qué nada ha quedado de esa población negra y de su cultura material, evaporadas como por un sortilegio misterioso e inexplicable? Y lo que casi nadie se pregunta es por qué nuestro lenguaje -hoy, en el siglo XXI- está plagado de términos africanos”, brindando una larga lista al respecto.

Tomo, casi textualmente, algunas de sus referencias: La mujer es una mina (grupo étnico africano); la música popular urbana es el tango (de tangó, que es bailar, en el Congo); los zapatos aún para algunos son los tamangos; nuestro servicio doméstico es la mucama (grupo étnico africano); comemos puré de zapallo (ya Mansilla decía que era comida de esclavos); el estómago de la vaca es el mondongo (grupo étnico africano Kumbundu); comemos sandía (traída del África para los esclavos del siglo XVII y achuras (se les daba a los perros y las aprovechaban los esclavos); a los niños se les canta el arrorró en la cuna; el quilombo es un vocablo que en toda América señala los asentamientos de cimarrones (afros huidos al monte) y, de allí, su asociación con ruido y pérdida de ataduras sociales.

El jurado selector del trabajo destaca que la obra de Coll es un cuidadoso relevo e interpretación de fuentes y bibliografía y un análisis de formas lingüísticas. Anota que el camino iniciado precisa de más esfuerzos de búsqueda, sistematización e interpretación.
Se recuerda en el prólogo por un integrante del tribunal que las hablas de nuestros indígenas dejaron de tener presencia en las primeras décadas del siglo XIX en grupos sociales. Sólo subsistían hablantes aislados “obligados además a no usar su lengua para conseguir mejor comunicación con el poblador criollo”, lo que motivó su dilución rápida, hasta desaparecer.
Al capítulo de Introducción la investigadora agrega uno de ubicación de La esclavitud en la sociedad oriental, con datos demográficos, etnolingüísticos y legales. Le sigue otro muy importante sobre Las lenguas de los africanos y sus descendientes en el Río de la Plata. Le continúan Las fuentes; Antología de textos; Análisis lingüístico de los textos seleccionados, así como anexos de importancia.

El título “El habla de los esclavos africanos y sus descendientes en Montevideo en los siglos XVIII y XIX: representación y realidad” supone un plausible esfuerzo de la Academia Nacional de Letras, acompañada por el sello Banda Oriental.

La tapa reproduce el óleo Las negras, de Alfredo de Simone. La cuidada composición gráfica de Tradinco suma 160 páginas.-

PRIMER CURSO BIOGRÁFICO SOBRE CARLOS GARDEL

2010-07-10T13:36:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 28.06.2010

PRIMER CURSO BIOGRÁFICO SOBRE CARLOS GARDEL

Los tangófilos estarán de parabienes. En los días venideros será dictado en Buenos Aires el primer curso biográfico sobre Carlos Gardel, en modalidad intensiva.
El mismo será impartido por la infatigable investigadora argentina Sra. Martina Iñiguez quien, como es sabido, ha desarrollado y ampliado las tesis del periodista Erasmo Silva Cabrera, del Prof. Arq. Nelson Bayardo y del Dr. Eduardo Paysée González, referentes al Carlos Gardel uruguayo.

Fecha: Sábado 17 de Julio, 2010.

Horario: de 10:00 a 18:00 hs.

Lugar: Tacuarí 237 – Piso 1º “16”

San Telmo. Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

El evento reviste la modalidad presencial, aunque la grey gardeliana lo podrá seguir desde cualquier parte, vía Internet.

Los interesados pueden obtener informes ampliatorios y registrarse sirviéndose de los contactos siguientes:

www.artes37.com.ar * info@artes37.com.ar
011-816-3513 * 011-15-3278-4079

El programa se ajusta a los detalles siguientes:

Módulo 1: 1882 - 1893

Dos versiones de su origen Toulouse y Tacuarembó – Los Gardes y los Escayola Publicaciones anteriores y posteriores a su muerte – La edad de Gardel – Falsos testimonios, fantasías, ocultamientos

Módulo 2: 1893 – 1911

Fotografías de infancia - escolaridad El prontuario de 1904 La documentación oficial de Carlos Gardel

Módulo 3: 1911-2010

La tragedia de Medellín - El testamento ológrafo La polémica – ADN Cronología Conclusiones y debate.

NOVEDADES TANGUERAS

2010-07-10T13:24:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 28.06.2010

CAMINOS DEL LUNFARDO

El número correspondiente al mes de junio de Ciberlunfa, mensuario de la Academia Porteña del Lunfardo, da cuenta de la aparición de una nueva obra del eminente estudioso José Gobello, relativa a esta forma dialectal tan porteña, como extendida por los ámbitos del Plata.
Se trata del título “Poesía Lunfarda. Del Burdel al Parnaso”, una antología presentada por Ediciones Corregidor, de Buenos Aires.

Resultan particularmente interesantes pasajes de los comentarios críticos de dos expertos analistas, quienes indican los méritos de la obra del lunfardólogo.
Roberto Selles anota la claridad con que Gobello incursiona en el campo de una letrística tan singular, cuando se pregunta “¿Cómo llamar a esta poesía que anda por los arrabales de esta ciudad, que se asoma al centro y hace cola para ingresar en los ámbitos de la gran cultura?”
Agrega el comentarista: “Entre los muchos méritos de la compilación, cabe destacar la profesionalidad de Gobello, que no ha sabido obviar a autores –vivos o muertos– con quienes discrepa o hasta con los que ha cortado relaciones…”

“La segunda mitad del libro comprende a poetas contemporáneos, con lo cual da don José una incontestable muestra que el lunfardo –como él mismo suele decir– “está vivito y coleando”.

No sólo eso. Se prueba también que este tipo de poesía ha evolucionado (el largo camino desde el burdel al Parnaso), y lo ha hecho gracias a que, un día, el gran Julián Centeya –dueño de un mayor bagaje cultural que quienes lo precedieron– hizo que esa poesía fuera de avanzada, o de vanguardia, si se prefiere. Y tras él pudo surgir una pléyade de evolucionistas –no tan extensa como uno quisiera– que también se atrevió a llevar al lunfa los conocimientos abrevados en la fuente de la poesía internacional y de las nuevas escuelas…”
Por su parte, Otilia Da Veiga, comenta: “Obra metódica que invita sabiamente a transitar el itinerario recorrido por los versos lunfardos, desde aquella primera y anónima cuarteta rescatada por Benigno Baldomero Lugones: “Estando en el bolín polizando / se presentó el mayorengo: / A portarlo en cana vengo, / su mina lo ha delatado”.
“Tal como los de Arana, Cepeda o Luis Blasco, aquellos versos se escribían con la tinta sangre de los entornos marginales, en esa aldea que debía ser la Buenos Aires de fines de 1800. Lenguaje del suburbio junto al deslinde del campo, giros gauchescos entreverados con las lenguas de la inmigración, caldo de cultivo del cocoliche que dio nacimiento al sainete de Vacarezza o al entremés de José González Castillo.
Panorama de situaciones diferentes desarrollado en perfecta cronología; exposiciones tal vez, antes que denuncia, del malestar, de la carencia, del abandono y de las tristezas del desarraigo que supieron hacer lugar aun al humor y al grotesco, según lo van contando Ivo Pelay, Cadícamo, Carlos de la Púa, Iván Diez, Dante A. Linyera y, más adelante en el tiempo, Joaquín Gómez Bas y Julián Centeya”.

Y acopla más nombres: Roberto Selles, Luis Alposta, Roberto Santoro, Ricardo Ostuni, Héctor Negro, Orlando Mario Punzi.

Subraya, después: “¡Y qué decir de las mujeres! Que, al reconocerlo como un vocabulario válido para expresar con hondura cualquier sentimiento, se atreven en el tiempo a emplearlo con la solvencia literaria que demuestran los versos de Nyda Cuniberti, Martina Iñíguez, Eva Falótico Gandolfi, Isabel Puncel de Dumery, Judith Gómez Bas o Elsa Baroni de Barreneche.”

Como puede advertirse, esto tiene que ver con el patrimonio histórico que se cultiva y se bebe con el tango, para plasmarse como una manifestación cultural muy nuestra.-

PULSACIONES TANGUERAS

2010-06-01T14:10:00.000-07:00

UN DANZARÍN PARA “LA MOROCHA”
Nota 2
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 24.05.2010

La morocha es una emblemática pieza tanguera de la Guardia Vieja. Su autor musical es el uruguayo Enrique Saborido. La letra corresponde al porteño Ángel Villoldo.
Data de 1905, apenas precedido en 1903 por El porteñito, del mismo Villoldo (aunque se conjetura que su letra pudiera haber sido escrita por su divulgador Alfredo Eusebio Gobbi).
Tempranamente, París los llevó a cruzar el Atlántico.
Ateniéndonos a uno de sus versos, digamos ahora algo sobre esta morocha “de mirar ardiente”.

En torno a su nacimiento, enseña el sapiente José Gobello en sus biografías:

La historia de La Morocha ha sido muchas veces contada, con detalles diferentes que no comprometen la veracidad general. La cosa fue en la Navidad de 1905, en el Bar Ronchetti (de Reconquista y Lavalle), apeadero de niños bien, donde era familiar la bella figura de la tonadillera uruguaya Lola Candales.
Habría sido esta dama quien estrenó La Morocha, después que Ángel Villoldo pusiera versos cupleteros (aunque inspirados en un poema de Orosmán Moratorio) a la melodía de Saborido. Luego, Flora Rodríguez de Gobbi incluyó la pieza en su repertorio e, igual cosa hizo otra tonadillera de aquellos años, Lola Menbrives, que devendría una de las actrices más importantes de la lengua española.

Sobre nuestro compatriota Saborido, anota Gobello en un pasaje: Hizo una carrera un poco distinta a la de otros creadores del tango. Por lo pronto, fue bailarín y profesor de baile, con academia propia, de modo que cuando el tango dominó París, hacia 1910, el joven pianista se contó entre los primeros docentes que abrieron academia… (Mujeres y hombres que hicieron el tango. Librerías Libertador. Bs. As. 2002).

El compositor Pintín Castellanos, en obra citada en nota anterior, sostiene que el tango de Enrique Saborido fue la verdadera semilla de nuestra danza en Europa, así como por ser él un experto bailarín, con cortes y quebradas. Agrega que, a la vez, desenmascaraba a muchos “profesores” que a la postre resultaban rioplatenses del Volga, del Hudson, de Venecia, o del Sena.

Las clases altas quisieron, también, conocer las destrezas coreográficas del músico y danzarín uruguayo.
Castellanos acota que, en más de una ocasión, el autor de La Morocha tuvo el placer y el honor de bailar el tango frente a soberanos. Parte inseparable de la historia que Carlos Gardel y otros entrañables artistas populares repitieran, sin vallas ni fronteras.
Con fuerza, un siglo después, hay mujeres que, como la de la canción, le cantan con dulce emoción al pampero, a la patria amada y al fiel amor.
Para las horas de su mejor regocijo, ellas reciben el abrazo milonguero de Enrique Saborido.

PULSACIONES TANGUERAS

2010-06-01T13:46:00.000-07:00

¡EN PARÍS, HACE UN SIGLO!
Nota 1
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 22.05.2010

En una cita con que el Maestro José Gobello ilustra el tango ¡Araca, París!, de los uruguayos Carlos César Lenzi y Ramón Loro Collazo, se destaca el furor que, hacia 1912, despertaba nuestra música en la Ciudad Luz.
La columna Tangoville, aparecida en L’Ilustration (París 16.08.1913), indica: Se ha instalado como dueña de todos los salones de la buena danza. Agrega luego: Ha conquistado nuestra lengua, que le abrió de inmediato los tesoros de su gramática. “Voulez-vous tanger? (¿Bailas?; ¿Quieres bailar?; ¿Tangueamos?; ¿Quieres bailar tango?, traducción W.E.C.)”, se interrogaba del modo más natural en los bailes… (Todo Tango. Pág. 44. Ed. 2009. Bs.As.).

El querido Pintín Castellanos -con quien tuve el honor de compartir diálogos en amables tertulias-, autor de la milonga La puñalada, inmortalizada por el director orquestal Juan D`Arienzo, recordaba aquel momento histórico del tango.
En su libro evocativo Entre cortes y quebradas, en el comentario La locura del tango en París, asegura que los lugares, modas, expresiones y, hasta la manera de caminar de muchas parisienses, mostraban claramente la influencia del tango.

En 1914 un periodista argentino, que desde la capital francesa regresa a su tierra, da cuenta de las repercusiones del tango. Este es un fragmento del relato aportado por Pintín:

Habíamos estado en la Avenida de las Acacias, cuyas aceras estaban concurridas, cuando mi compañero me llamó la atención, hacia una mujer joven, hermosa, con un traje que le envolvía las piernas como exiguo chiripá. Después de observarla un instante, mi amigo y yo miramos asombrados: ¡No había duda! Aquella apuesta muchacha imitaba el paso, medio en puntas de pie, con el encogimiento de hombros y en su enpaque y su andar, los modos característicos de nuestra plebe orillera.

Surgirían en este instante cenital los vestidos tangó, los bares tangó, los restaurantes tangó. ¡La locura!, exclama el pianista montevideano. (Pág. 64 y sgtes. Ed. 1948. MVD)

Como el más dulce puñal, el tango embriagaba la sensibilidad francesa y diseminaba en Europa el embrujo de la música, la danza y el canto rioplatense.

GOBELEANDO 2010-04-15

2010-04-18T12:25:00.000-07:00

MEMORABLE BALADA TANGUERA
Nota 5
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 16.04.2010

Sobre la década de los años 50 del siglo pasado el tango experimentó el sacudimiento que le impuso Astor Piazzolla. El virtuuso músico argentino había contactado muy temprano con Carlos Gardel, siendo el pibe en una escena de El día que me quieras.
Recuerda José Gobello, en Todo Tango, algunos momentos gravitantes de su formación y aquellos nucleamientos orquestales que levantaran resistencias y aplausos: el Octeto Buenos Aires y, después, el Quinteto. Cita nombres señeros de músicos integrados a la corriente renovadora: Enrique Francini, Roberto Panssera, Horacio Malvicino, Atilio Stampone, Antonio Agri, Oscar López Ruíz y el inolvidable Cacho Tirao.

Suministrando datos, a propósito del tema Balada para un loco, sintetiza: "Es a partir de 1969, luego del estreno de la operita María de Buenos Aires, con textos de Horacio Ferrer, que comienza a recorrer el camino del reconocimiento popular, a través de su mayor éxito ligado al tango: Balada para un loco.”

En nota aparte ingresaré a consideraciones más amplias sobre el gran músico marplatense.
En esta instancia recordaré al uruguayo Ferrer, su amigo entrañable, con quien trabajara en la simbiosis autoral.

En una nochecita primaveral, creo que en 1957, los mercedarios Enrique Pedro Haba Müller, Mario Prunell Celina y yo abrimos la puerta roji-negra de una de las últimas casas de la calle Soriano, en Montevideo, y descendimos a un amplio sótano, fresco y medianamente iluminado.
Con nerviosismo Horacio Arturo Ferrer y otros amigos del Club de la Guardia Nueva acondicionaban los bancos en aquella cueva y testeaban las conexiones de los equipos de audio. Iba a comenzar una de las habituales audiciones sabatinas de música de tango.
En los intermedios se dialogaba en grupos. La unanimidad estaba sobreentendida en Gardel. De Caro, Troilo, Pugliese sumaban prestigios. Allí lucía el partido de los admiradores incondicionales de Piazzolla y Salgán. Vardaro acumulaba votos y no faltaban las menciones a los últimos contactos con el Dr. Luis Sierra, cónsul de la entidad en Buenos Aires.
Ferrer oficiaba como secretario y a la vez, dirigía la revista Tangueando, con importantes artículos de la cultura musical rioplatense. Con el pseudónimo de Horacus, trazaba los perfiles caricaturescos de músicos pioneros. Este estudiante de arquitectura, nacido en Montevideo en 1933, gozaba de la compañía, entre otros, de mi estimado amigo Jaime Bareika (entonces estudiante de medicina e integrante de la FEUU), del entrañable tangólogo Boris Puga, del músico Nicolás Pepe, de los arquitectos Jorge Seijo y Carlos Vallarino, del pintor Mario Arroyo, del periodista Horacio Loriente.
Pese a estas vivencias, mi amistad fue con el poeta y periodista Eduardo Ferrer, hermano de Horacio.
Por entonces, Horacio Ferrer hacía por hizo periodismo tangófilo y, en alas de esta inspiración, comenzó a construir letras, abrazándose con pasión a la generosa Buenos Aires, tan porteña y oriental.

De 1969 data esta hermosa página, a la que Astor le puso su refinada música:

BALADA PARA UN LOCO

(Recitado)
Las tardecitas de Buenos Aires tienen ese qué sé yo, ¿viste? Salís de tu casa, por Arenales. Lo de siempre: en la calle y en vos…
Cuando, de repente, de atrás de un árbol, me aparezco yo. ¡Te reís…! Pero sólo vos me ves: porque los maniquíes me guiñan; los semáforos me dan tres luces celestes, y las naranjas del frutero de la esquina me tiran azahares. ¡Vení!, que así, medio bailando y medio volando, me saco el melón para saludarte, te regalo una banderita, y te digo…

(Cantado)
Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao…
No ves que va la luna rodando por Callao;
que un corso de astronautas y niños, con un vals,
me baila alrededor…¡Bailá! ¡Vení! ¡Volá!

Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao…
Yo miro a Buenos Aires del nido de un gorrión;
y a vos te vi tan triste… ¡Vení! ¡Volá! ¡Sentí!...
el loco berretín que tengo para vos:

¡Loco! ¡Loco! ¡Loco!
Cuando anochezca en tu porteña soledad,
por la ribera de tu sábana vendré
con un poema y un trombón
a develarte el corazón.

¡Loco! ¡Loco! ¡Loco!
Como un acróbata demente saltaré,
sobre el abismo de tu escote hasta sentir
que enloquecí tu corazón de libertad…
¡Ya vas a ver!

(Recitado)
Salgamos a volar, querida mía;
subite a mi ilusión supersport,
y vamos a correr por las cornisas
¡con una golondrina en el motor!
De Vieytes nos aplauden: ¡”Viva! ¡Viva!”,
los locos que inventaron el Amor;
y un ángel y un soldado y una niña
nos dan un valsecito bailador.
Nos sale a saludar la gente linda…
Y loco -pero tuyo-, ¡qué se yo!:
provoco campanarios con la risa,
y al fin, te miro, y canto a media voz:

(Cantado)
Quereme así, piantao, piantao, piantao…
trepate a esta ternura de locos que hay en mí,
ponete esta peluca de alondras, ¡y volá!
¡Volá conmigo ya! ¡Vení!, volá, vení!

Quereme así, piantao, piantao, piantao…
Abrite los amores que vamos intentar
la mágica locura total de revivir…
¡Vení, volá, vení! ¡Tra-lai-la-larará!

(Gritado)
¡Viva! ¡Viva! ¡Viva!
¡Loca ella y loco yo…
¡Locos! ¡Locos! ¡Locos!
¡Loca ella y loco yo!

GOBELEANDO 2010

2010-04-11T14:51:00.000-07:00

URUGUAYOS EN EL ITINERARIO BS.AS.-PARÍS
NOTA 4
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 18.03.2010

Ramón Collazo

Ciertos aspectos de la cultura rioplatense muestran la intensa mancomunidad que las ha signado, por encima de divisiones político-institucionales.
Como no podía ser de otra manera, ello se manifiesta en expresiones de firme acento popular.
Si de música se trata, no puede soslayarse el aporte uruguayo al enraizamiento del tango.
A poco que se aprecie el texto de ¡Araca, París!, escrito en 1930 e inmortalizado por la voz de Carlos Gardel, nadie sospecharía que su intensa ambientación porteña tiene origen en fuente uruguaya, tanto en letra como en música.

El maestro José Gobello lo incluye en el libro de letras y antecedentes que vengo comentando, con citas de interés.
Sobre sus autores, sintetiza: Letra de Carlos César Lenzi, comediógrafo y diplomático uruguayo; música de Ramón (El loro) Collazo. Carlos Gardel lo grabó el 4 de noviembre de 1930.

Efectivamente, ambos fueron importantes referentes del espectáculo.
Lenzi, en 1925, había creado con el destacado músico compatriota Edgardo Donato, A media luz, composición que recorrió el mundo, cuyos sugerentes versos permanecen en la memoria colectiva (¡Qué suave terciopelo, la media luz de amor!).
Sus prolíficos antecedentes lo vinculan al cenáculo Tabaré, con Fernán Silva Valdés, Yamandú Rodríguez y Julio B. Mendilaharsu. La revista y el teatro lo contaron entre los suyos, con otro montevideano, Ángel Curotto. Luis Cluzeau Mortet musicalizó su composición lírica La copa de los montes. El ascético Miguel de Unamuno ponderó sus Poemas. Traducido al francés, recogió la crítica elogiosa de Jean Cassou. Amigo de Gardel, aparece con él en una foto tomada en Niza.

Ramón Collazo fue una figura central del carnaval uruguayo a partir de 1920, en el que se proyectó con la famosa Trouppe Ateniense, de la que surgiera la Oxford. El tango Adiós mi barrio, de su autoría (Viejo barrio que te vas, te doy mi último adiós…), fue grabado con esta agrupación, recordada por su contrapunto con Un real al 69, inspirada por Salvador Granata, cuyos tenores dejaran memorables recuerdos.
Collazo tenía una excelente formación musical, adquirida en el Instituto Verdi. Formó su orquesta en Buenos Aires, grabando para Odeón. Uno de los primeros filmes nacionales, Soltero soy feliz, lo tuvo como autor musical y actor.
En su homenaje, el Teatro de Verano del Parque Rodó, en Montevideo, ágora de las carnestolendas, lleva su nombre. Había inspirado, también, a conjuntos no olvidados como Parodistas de chocolate y Momento musical.

Recuerda Gobello la popularidad que el tango había adquirido en París hacia 1912. Trae a colación una nota de L’Ilustrattion, de agosto de 1913.
Extraigo estas líneas de la cita gobeleana: “Al mismo tiempo que se ha instalado como dueño de todos los salones de la buena danza, ha conquistado nuestra lengua, que le abrió de inmediato los tesoros de su gramática: “¿Voulez vous tanger?” (¿Quiere/s tanguear?; los rioplatenses decíamos: ¿Baila?, ¿Bailamos? Y, ahora, al tutear ¿Bailás? WEC), se interrogaba del modo más natural del mundo en los bailes de invierno y de la primavera…”

Otra gragea, más acá en el tiempo, Gobello la ubica a mediados de 1922, en un comentario que en La Razón efectúa Enrique Gómez Carrillo, a propósito de los calificativos manejados por La Revue Mondiale ante la entrada triunfal de nuestra música en la Ciudad Luz: “…baile de salvajes y de negros, sin gracia, inmoral, corruptor, peligroso.”

En ¡Araca, París!, tan nuestro por uruguayo y por porteño, el gigoló, retorna a su lugar de origen, tras su aventura picaresca, trocando su ilusión por un ¡Salute, París!

¡ARACA, PARÍS!
Piantá de Puente Alsina para Montmartre/ que todos me batían pa’ m’engrupir./ Tenés la pinta criolla p’acomodarte/ con la franchuta vieja que va al dancing./ ¿Qué hacés en Buenos Aires?
¡No seas otario!/ Amurá esas milongas del Tabarís./ Con tres cortes de tango sos millonario…/ ¿Morocho y argentino? ¡Rey de París!
¡Araca, París!/ ¡Salute, París!
Rajá de Montmartre,/ piantate, infeliz./ Si vas a París/ no vas a morfar./ No hay minas otarias/ y hay que laburar./ Volvete p’al barrio y tendrás milongas,/ milongas diqueras/ que saben amar.
¡Araca, París!/ ¡Salute, París!/
Rajá de Montmartre;/ ¡piantate, infeliz!
Agarré tren de lujo, loco ‘e contento,/ -Bon soir, petit. Je t’aime, tu es mon cocó-/ con una gorda tuerta con mucho vento/ que no me dio ni medio y me amuró./ Tiré la bronca y guapo, pa’ darme corte,/ un tortazo en la ñata se le incrustó./ Comisaría, jueces y un pasaporte…/ Y terminó mi historia de gigoló.

GOBELEANDO 2010

2010-03-07T14:31:00.000-08:00

Nota 3
POESÍA DE TANGO
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com

28.02.2010

Quedémonos aquí, es un poema de la música ciudadana rioplatense, que José Gobello recoge en Todo Tango.
Sus tres primeros versos nos introducen en un universo de amor presente, signado por la angustia y las ansias de vivir: Amor, la vida se nos va…/ quedémonos aquí…Ya es hora de llegar./ Amor, quedémonos aquí.

Consigna la nota del compilador argentino:
“En 1956, Libertad Lamarque, acompañada por la orquesta de Alfredo Malerba, dejó una bella versión de este tango, que lleva versos de Homero Expósito y música de Héctor Stamponi.”
Cabe recordar que la gran rosarina Libertad Lamarque es una figura destacadísima de la canción popular y de la escena. Principió en las tablas y, al culminar su carrera, era partícipe en casi una cincuentena de filmes musicales. Vivió más de 90 años. Coactuó con Hugo del Carril, Jorge Negrete y Palito Ortega, entre otros.
En 1931 ganó el apelativo de Reina del Tango, tras triunfar en un certamen característico de la época.
De madre gallega y padre uruguayo, adherido a ideas transformadoras, su nombre encuentra razón en la ruptura con el statu quo.
Libertad emigró de su tierra tras el ascenso al poder de Eva Duarte y Juan D. Perón. México y Puerto Rico la prohijaron.
En 1967 fue aclamada por sus admiradores en el Teatro Odeón, tras la caída de peronismo.
No fue una política. Sí, una artista de talento. Fiel a sus raíces, con un público no menos fiel. La herencia de su voz suscita permanente admiración.
Con el acompañamiento orquestal de Alfredo Malerba, su esposo, resaltó el brillo de la letra:

QUEDÉMONOS AQUÍ

Amor, la vida se nos va…/ Quedémonos aquí… Ya es hora de llegar./
Amor, quedémonos aquí./ ¿Por qué sin compasión rodar?/ Amor, la flor se ha vuelto a abrir/ y hay gusto a soledad, quedémonos aquí…/ Nuestro cansancio es un poema sin final/ que aquí podemos terminar.

Abre tu vida sin ventanas…/ Mira lo lindo que está el río…/ Se despierta la mañana y tengo ganas/ de juntarte un ramillete de rocío…/ ¡Basta de noches y de olvidos! ¡Basta de alcohol sin esperanzas!/ ¡Deja todo lo que ha sido/ desangrarse en ese ayer sin fe!

Tal vez, de tanto usar el gris, te ciegues con el sol, pero eso tiene fin…/ Después verás todo el color…/ Amor, quedémonos aquí./ Amor, asómate a la flor/ y entiende la verdad que llaman corazón./ Deja el pasado acobardado en el fangal,/ que aquí podemos empezar…

TRABAJOS DE LA ACADEMIA NACIONAL DE LETRAS

2010-03-02T14:26:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com

18.02.2010

PRODUCCIÓN INTELECTUAL

Con la acostumbrada jerarquía, en cuanto a contenido y presentación, la comisión de publicaciones de la Academia Nacional de Letras ha hecho circular el número 6-7, de su prestigiosa revista. Corresponde a la última entrega del año 4 (diciembre 2009), en edición asistida por el ente público ANTEL.
El sumario exhibe el valor de los asuntos que divulga, a saber: Homenajes a Juan Carlos Onetti, en cinco textos. Discursos académicos varios, con intervenciones referentes a sus nuevos integrantes Circe Maia, Estela Medina, Daniel Vidart y varias respuestas. Agrega una reflexión sobre el arte y un reconocimiento al investigador Juan Pedro Barrán. Dedica, asimismo, un capítulo importante a ensayos. Otras páginas se focalizan en José Pedro Díaz, Amanda Berenguer y noticias de la entidad.

EN LOS CAMPOS DEL IDIOMA

La academia uruguaya, como entidad especializada en las cuestiones idiomáticas, ha marcado su presencia en encuentros de Sevilla, donde se examinaron las labores para la publicación del Diccionario de Americanismos y la revisión de las reglas de la Ortografía Hispánica, fuera de otros proyectos.
Una comisión lexicográfica elabora, en fase adelantada, el Diccionario Español de Uruguay, un esfuerzo metódico de varios años. Recoge antecedentes, entre otros, el Nuevo Diccionario de Uruguayismos (1993), de Úrsula Kühl, más vocabularios contenidos en obras literarias, científicas, terminologías de uso en ámbitos docentes, etc., colectados y verificados por colaboradores especializados.
Laura Álvarez López aporta, en la sección ensayos, un estudio original acerca de la Práctica lingüística afrouruguaya. Lo hace a partir de El canto patriótico de los negros, realizado en verso por Francisco Acuña de Figueroa, con motivo de la ley de libertad de vientres, atinente al cese de la esclavitud.
El centro de la monografía tiene que ver con los cambios lingüísticos registrados en contextos multilingües de América Latina, donde han surgido variedades afrolatinas que se alejan de las regionales consideradas normativas, por lo general más cercanas a sus correspondientes europeas.
El texto de Acuña de Figueroa -que motiva el análisis- es considerado un documento representativo de la manera de hablar de africanos y sus descendientes en el Uruguay del siglo XIX.
Se describe, en forma general, el contexto sociohistórico y cultural en que fue dado, para luego ingresar en las dimensiones léxico-semánticas, fonético-fonológicas, morfo-sintácticas, anotándose concomitancias con fuentes luso-brasileñas.
La revista condensa una labor silenciosa, aunque sistemática, que robustece la cultura nacional.

GOBELEANDO 2010

2010-02-25T12:00:00.000-08:00

Nota 2
AGUA FLORIDA
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com

16.02.2010

Existen palabras seductoras. Una de ellas, para mi, es Florida. De joven presté atención a la carismática calle porteña de tal denominación, tan reluciente en la gran ciudad.
Sin embargo, fue en otra, también llamada Florida, que en mis ojos infantiles comenzaron a grabarse vivencias entrañables: el camino a la escuela, el baldío de barrio, la luz de almacén, las vidrieras comerciales, los talleres con oficios hoy casi perdidos; las pelotas de trapo, los trompos, las cometas, las corridas en los juegos grupales.
En esta Florida, que partía casi al medio la ciudad de Mercedes (Soriano), atravesando el pequeño centro con su plaza, arracimaba casi una veintena de calles que la cruzaban. Sus extremos unían las vías de los vagones en descanso del ferrocarril y el puente de madera, tendido sobre el arroyo Dacá, en cuyos bosques el dominio colonial portugués escondía el magnificente castillo del Barón de Mauá.

Algunas vecinas tenían la fórmula del agua florida, con aromas de rosas o jazmines. Maceraban flores con gotas de algún aceite, que diluían en alcohol. También de polvos de arroz, perfumados.
Al Agua Florida le cantó, de modo singular, Fernán Silva Valdés (1887-1975), quien compusiera el tango homónimo, con música de otro animador de las festividades populares uruguayas: Ramón “Loro” Collazo.

Silva Valdés manejó su suave pluma como dramaturgo, narrador y poeta. Dio impulso a la corriente nativista uruguaya. En 1970 recibió el Gran Premio Nacional de Literatura.
Sus poemas iniciales fueron imbuidos por el modernismo. Su amplio registro lírico hizo que sus composiciones descriptivas se integraran a las primeras lecturas de la niñez..
Su cultivo del género popular tiene registros magníficos en tangos, milongas, valses, canciones criollas, cifras.
Sus versos fueron acompañados por la voz de Carlos Gardel (Clavel del aire, por ejemplo) o acompasados por la inspiración musical de Néstor (Acosta) Feria (En blanco y negro, cuyas estrofas comienzan indicando: Tuve tropilla de un pelo/ yo también, como el mejor…, las que devendrán en un dolor de amor).
De su huella perdurable queda la correspondencia que sostuviera con Benavente, Neruda, Alfonsina, Gabriela, L. A. de Herrera, Figari, Quiroga, Amorim, Torres García, E. Larreta, Regules, Gómez Cou, Dossetti, Alonso y Trelles, P. Blanco Acevedo, Vigil, S.C. Rossi, Sábato, B. L. Brum, Gallinal y otras celebridades.
Agua Florida es una estampa que cuelga como un estupendo cuadro descriptivo, con la fisonomía única del tango.

José Gobello, en Todo Tango, recuerda que la pieza fue una creación del cantor oriental Alberto Vila, quien lo grabó, con guitarras, el 2 de abril de 1928.
Manifiesta a continuación: Es inolvidable la versión que dejó Ángel Vargas, con la orquesta de D’Agostino, el 13 de noviembre de 1941. Y remarca: Aludiendo a esta composición declaró Silva Valdés: Yo quise llevar el tango un poco hacia atrás, hacia los buenos tiempos del tango primitivo criollo, y por eso evoqué el ambiente desaparecido de las academias, de las chinas almidonadas y de las medias lunas.
Trae a colación, luego, una descripción del ambiente de 1900, perteneciente a Manuel Gálvez, con las costumbres bailables imperantes hasta la irrupción del tango.

AGUA FLORIDA

“Agua Florida”, vos eras criolla./ Te usaban las pobres violetas del fango/ de peinados lisos, como agua’e laguna,/ cuando se bailaba alegrando el tango/ con un taconeo y una media luna./ Perfume del tiempo taura que pasó/ -pues todo en la vida ha de ser así-,/ cuando las percantas mentían que no/ mientras las enaguas batían que sí.

Chinas/ sencillas y querendonas,/ que al son de las acordeonas/ bailaban un milongón./ Chinas/ que oliendo a “Agua Florida”/ se metían en la vida/ a punta de corazón.

“Agua Florida”, vos eras criolla./ De cuando una viola tocaba de prima/ y otras las cuarteaban dando a las bordonas,/ y un ramo de taitas era cada esquina/ y la vida era linda y guapetona./ Vos eras del tiempo del gacho ladeao,/ de la mira airosa anclada en el bulín,/ del lazo en el pelo, del percal floreao/ y de la academia y del peringundín.
**

GOBELEANDO 2010

2010-02-16T05:34:00.000-08:00

Nota 1
A PAN Y AGUA
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com
10.02.2010

INTRODUCCIÓN
El maestro José Gobello preside la Academia Porteña del Lunfardo. Es, sin duda, el analista más erudito y relevante en aspectos principales de la historia del tango, la bella y nostalgiosa música que define tantos elementos comunes de la identidad de argentinos y uruguayos.
Biógrafo profundo de letristas, compositores e intérpretes, suministra desde hace décadas páginas imprescindibles de este capítulo de la música universal.
Los riquísimos antecedentes que ha recopilado permiten la valoración más exacta de lo que la UNESCO ha reconocido como patrimonio cultural de la humanidad (2009).

Su Todo tango –Letras de tango que cuentan historias (Ediciones Libertador – Buenos Aires) es una joyita de divulgación de la poesía de la ciudad.
Con esta obra, que apenas tiene un año, Gobello entra, con la puntillosidad del investigador avezado, en los archivos de una época signada por los perfumes del percal, los sueños de amor y vida y ciertas desesperanzas esclarecedoras.
El autor presenta datos cronológicos, autores y hechos, en una síntesis no exenta de referencias sociológicas y literarias.
Mis notas tangueras de 2010 las inicio con una breve serie que nominaré Gobeleando, en honor al eximio tanguista argentino, elaboradas en base a sus aportes singulares.
Por lo dicho, ir al encuentro de José Gobello es un verdadero privilegio.

UN RECUERDO CON MELANCÓLICOS DEJOS…

La expresión A pan y agua se interpreta como una condición inherente a la bohemia, en ese salto efímero consistente entre lo que se goza y se pierde, abriendo paso a la soledad y, aún, al abandono.
La frase puede aludir a la punición con que las policías bravas castigaban a un detenido, privándolo de la alimentación corriente.

La música del tango A pan y agua fue compuesta en 1920 por Juan Carlos Cobián (1899-1953).
Cabe establecer que fue un pianista excelso y renovador del tango. Formó parte de las orquestas de Genaro Espósito y Eduardo Arolas. Integró la suya, la que también fuera dirigida por Julio de Caro. Son de su autoría: Nostalgias, Niebla del Riachuelo, La casita de mis viejos, Shusheta, Los mareados y otros).
Enrique Cadícamo le aportó versos benévolos. Manifiesta Gobello que fue registrada para el disco en octubre de 1945, por un binomio que dejó huellas imborrables: el que integraran el vocalista Ángel Vargas con el director orquestal Ángel D’Agostino.
Cadícamo instala la escena en el viejo Palermo de entonces, en los recuerdos de las noches de verbena, en un amor y en un tango que viene de lejos a acariciar mis oídos, como un recuerdo querido, con melancólicos dejos.
He tenido oportunidad de escribir citando al entrañable Evaristo Carriego, tan respetado por Jorge Luis Borges. Los pasos de ambos surcaron el barrio bonaerense al que vuelve Cadícamo.
Don José Gobello rescata, para sus anotaciones sobre A pan y agua, algo de la prosapia palermitana, que matiza con pinceladas de Borges.

Fragmentariamente, de lo uno y lo otro, extraigo dos pasajes.
Dice Gobello: “El barrio de Palermo, nacido como una cuña de la pampa introducida en la ciudad, se extendía por los bajos y anegadizos terrenos ubicados entre el pueblo de Belgrano y el límite norte de la ciudad, que entonces no llegaba más allá de la Recoleta. No hay acuerdo sobre el origen de su nombre; algunos lo atribuyen al propietario de una chacra llamado Juan Domínguez Palermo, que se instaló en el lugar allá por 1600. Otros pretenden que se deriva de la advocación de una capilla que se erigía en las actuales esquinas de Las Heras y Malabia, donde se veneraba a San Benito de Palermo.
Este sector de la ciudad recibió un notable impulso cuando Juan Manuel de Rosas construyó una mansión, que rodeó de jardines y de un canal, por donde se podía navegar en bote entre hermosos cisnes. Sus opositores denominaban a este sitio la Versailles del Plata, en comparación sarcástica con la Versailles francesa, por la fastuosidad de la construcción y el absolutismo de quien lo habitaba…”

El siguiente segmento pertenece a Jorge Luis Borges (Buenos Aires, mi ciudad – Eudeba 1963): “Palermo era una despreocupada pobreza. La higuera oscurecía sobre el tapial; los balconcitos de modesto destino daban a días iguales; la perdida corneta del manisero exploraba el anochecer. Sobre la humildad de las casas no era raro algún jarrón de mampostería, coronado áridamente de tunas…
Hacia el poniente había callejones de polvo que iban empobreciéndose tarde afuera; había lugares en que un galpón del ferrocarril o un hueco de pitas o una brisa casi confidencial inauguraba malamente la pampa. O si no, una de esas casas petisas sin revocar, de ventana baja, de reja -a veces con una amarilla estera atrás, con figuras- que la soledad de Buenos Aires parece criar, sin participación humana visible. Después: el Maldonado, reseco y amarillo zanjón, estirándose sin destino desde la Chacarita y que por un milagro espantoso pasaba de la muerte de sed a las disparatadas extensiones de agua violenta, que arreaban con el rancherío moribundo de las orillas. Hará unos cincuenta años, después de ese irregular zanjón o muerte, empezaba el cielo: un cielo de relinchos y crines y pasto dulce, un cielo caballar.
Ahí se entristecía Palermo, pues las vías de hierro del Pacífico bordeaban el arroyo, descargando esa peculiar tristeza de las cosas esclavizadas y grandes; de las barreras altas como pértigo de carreta en descanso, de los derechos terraplenes y andenes. Una frontera de humo trabajador, una frontera de vagones brutos en movimiento, cerraba ese costado; atrás, crecía o se emperraba el arroyo. Lo están encarcelando ahora: ese casi infinito flanco de soledad que se acavernaba hace poco, a la vuelta de la truquera confitería La Paloma, será reemplazado por una calle tilinga, de tejas anglizantes…”

A PAN Y AGUA

Música: Juan Carlos Cobián, 1920 – Letra: Enrique Cadícamo, 1945

En mi triste evocación/ surge el tiempo que se fue./ ¡Cuántos años han pasado/ y parece que fue ayer…!/ ¿Dónde está la que amé…?/ ¿Dónde está la que olvidé…?/ El recuerdo me entristece y anochece en mi corazón…
Viejo Palermo de entonces/ hoy regresas a mi mente…/ ¡Cuántos amigos ausentes/ como yo recordarán/ esas noches de verbena,/ esas noches de alegría,/ y este tango que se oía/ entre copas de champán…
(Hablado)
A pan y agua…
Tango que viene de lejos/ a acariciar mis oídos/ como un recuerdo querido/ con melancólicos dejos…/ Tango querido de ayer,/ ¿qué ventarrón te alejó…?/ Junto con ella te has ido/ y hoy la trae tu evocación.

GOBELEANDO 3

2010-01-02T02:58:00.000-08:00

LA BRONCA, PARIENTA DE LA LIBERTAD
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 22.12.2009

Bronca, letra de Mario Batistella, data de 1962 y lleva música del cantante Edmundo L. Rivero, voz sobria y varonil del tango.
Precisa el investigador José Gobello que Rivero la interpretó en diversos lugares balnearios durante el verano de 1962-63, con la particularidad que al retornar a su labor en la Radio El Mundo, en marzo de 1963, se le informó que la irradiación de esa página había sido prohibida. Era presidente de la nación el Dr. José María Guido.”

En una precisa anotación -Todo Tango (págs. 65 a 67)-, Gobello proporciona el marco en que se da la interdicción.
Buenos Aires vivía en setiembre de 1962 un auténtico clima de guerra, siendo los militares colorados y azules quienes se disputaban la salvación del país…
El ascenso del general Onganía se daba en medio de combates en Plaza Constitución, Parque Chacabuco y Parque Avellaneda. Los azules le apoyaban: los colorados fueron derrotados. Guido oscilaba entre unos y otros. Saltó de su sillón.
En el medio radial la acción psicológica era instrumentada por el sociólogo José E. Miguens y por el periodista Mario Grondona.
La brutalidad pasó a ser ley. Los partidarios de Boca Juniors gritaban en las canchas: Melones, sandías/ a Boca no lo paran ni los tanques de Onganía.

Resume Gobello: En esta gran confusión, como dice el tango, llegamos al verano caliente (1962-1963), en medio de una gran sequía y con el aumento del costo de vida, en 50%, durante noviembre y enero. Entre rumores, contradicciones y ambigüedades, se quemaban los laureles que supimos conquistar y, como no podía ser de otra manera, la falta de democracia selló una vez más en canto de las gentes, prohibiendo la difusión de este tango en marzo.

Pocos años después, el dictador Onganía bendeciría al presidente Jorge Pacheco Areco, a bordo de una nave, en medio del gran río.
Como obsequio el pichón uruguayo recibiría una sofisticada metralleta.
El tango que se leerá se anticipó a aquel tiempo y su inicua prolongación: ¡Es la hora del asalto!, expresa un verso.
Mucho dolor y una bronca pertinaz, que aún recuperadas las libertades, levanta banderas de verdad y justicia.

BRONCA
1962

Por seguir a mi conciencia/ estoy bien en la palmera/ sin un mango en la cartera/ y con fama de chabón./ Esta es la época moderna/ donde triunfa el delincuente/ y el que quiere ser decente/ es del tiempo de Colón./ Lo cortés pasó de moda / no hay modales con las damas;/ ya no se respetan canas,/ ni las leyes ni el poder./ La decencia la tiraron/ en el tacho a la basura/ y el amor a la cultura/ todo es grupo, puro bluff.
¿Qué pasa en este país?/ ¿Qué pasa mi Dios?,/ Qué os vinimos tan abajo?/¡Qué tapa nos metió el año 62!
¿Qué pasa?/ ¡Qué signo infernal/ lo arrastra al dolor?/ Ya ni entre hermanos se entienden/ en esta gran confusión…/Que si falta la guita…/Que si no hay más lealtad…/¿Y nuestra conciencia,/ no vale eso más?
Pucha, ¡qué bronca me da/ ver tanta injusticia de la humanidad!
Refundir a quien se pueda/ es la última consigna/ y ninguno se resigna/ a quedarse sin chapar…/ Se trafica con la droga,/ la vivienda, el contrabando…/ Todos ladran por el mundo…/ Nadie quiere laburar./ Los muleros van en coche,/ Satanás está de farra/ y detrás de la fanfarria/ salta y baila el arlequín…/ ¡Es la hora del asalto!/ ¡Métanle que son pasteles!/ Y así queman los laureles/ que supimos conseguir.-

GOBELEANDO 2

2010-01-02T02:54:00.000-08:00

DISCÉPOLO EN LA SENDA DE ALMAFUERTE
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com - 17.12.2009

El maestro de escuela Pedro B. Palacios (Almafuerte) (1854-1917), iluminó con su presencia y acción no sólo a sus discípulos, sino a los rioplatenses, quienes encontraron en él un modelo de pedagogo, de pensador y de ciudadano independiente.
Preguntado porqué abandonaba la ciudad en que ejercía su magisterio, contestó: ¡Voy al campo a sembrar abecedarios!
Desde su concepción ética vierte en sus poesías amor por la humanidad sufriente e interroga a Dios, sólo como puede hacerlo un creyente convencido, con la fuerza de todo quien es capaz de poseer un credo moral trascendente.
Enrique Santos Discépolo, desde un ángulo menos retórico, aunque vigoroso y con el empaste lírico de su voz de hombre de pensamiento autónomo, conmovido por los desgarros del amor y la laceración del dolor, hizo sus propias interrogantes.
La letra que ha de leerse va en esa dirección y, acompañada de la música que la engalana, es una joyita bellísima.

CANCIÓN DESESPERADA
1945
Letra: Enrique Santos Discépolo – Música: Mariano Mores

¡Soy una canción desesperada!/ ¡Hoja enloquecida en el turbión!/ Por tu amor mi fe desorientada/ se hundió, destrozando mi corazón./ Dentro de mi mismo me he perdido/ ciego de llorar una ilusión./ ¡Soy una pregunta empecinada/ que grita su dolor y tu traición!

¿Por qué me enseñaron a amar/ si es volcar sin sentido los sueños al mar?/ Si el amor es un viejo enemigo/ que enciende castigos/ y enseña a llorar…/ Yo pregunto: ¿Por qué,/ sí, por qué me enseñaron a amar/ si al amarte mataba mi amor?/ Burla atroz de dar todo por nada/ y al fin de un adiós, despertar llorando…
¿Dónde estaba Dios cuando te fuiste?/ ¿Dónde estaba el sol que no te vio?/ ¿Cómo una mujer no entiende nunca/ que un hombre da todo, dando su amor?/ ¿Quién les hace creer otros destinos?/ ¿Quién deshace así tanta ilusión?/ ¡Soy una canción desesperada/ Que grita su dolor y tu traición!

Recuerda Don José Gobello que fue escrita para el cantante Hugo del Carril, quien la grabó en México en 1946, asistido de la orquesta de Atilio Bruni, luego de haberla cantado para el film azteca de su mismo título.
Libertad Lamarque la registró con Alfredo Malerba, antes de su exilio.
Numerosos artistas la han interpretado, entre ellos, Roberto Goyeneche.

GOBELEANDO 1

2010-01-02T02:45:00.000-08:00

LA CANTINA
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 17.12.2009

El Tango es un compendio de 250 letras anotadas por el Maestro José Gobello, erudito en la materia.
El trabajo presenta los temas -como en otras publicaciones similares del ensayista e historiador- con indicación de los autores de la versificación y de la música, indicaciones referentes al momento de su difusión y anotaciones histórico-sociológicas, del mayor interés.
De esta formidable selección, he de extraer algunas letras, más o menos divulgadas, con el fin que el lector las examine en su fondo conceptual y poético, en el acierto de determinados giros lingüísticos, así como en la descripción de época, aspectos estos, entre otros, imprescindibles para evaluar un momento social, cultural, psicológico y, aún político, en que surge la creación.
Del aporte del académico argentino adoptaré, de manera sintetizada, algunos elementos ilustrativos.
Voy a la versión de:

LA CANTINA

Letra: Cátulo Castillo – Música: Aníbal Troilo
Año 1954

Ha plateado la luna el Riachuelo/ y hay un barco que viene del mar,/ con un dulce pedazo de cielo,/ con un viejo puñado de sal.
Golondrina perdida en el viento,/ ¿por qué calle remota andará,/ con un vaso de alcohol y de miedo/ tras el vidrio empañado de un bar?
La cantina/
llora siempre que la evoca /cuando toca piano, piano,/
su acordeón el italiano;/
la cantina/ que es un poco de la vida/ donde estabas escondida/ tras el hueco de la mano,/ de mi mano/ que te llama, silenciosa /mariposa que al volar/ me dejó sobre la boca, sí,/ me dejó sobre la boca/ su salado gusto a mar.
Se ha dormido entre jarcias la luna,/ llora un tango su verso tristón/ y entre un poco de viento y de espuma/ llega el eco fatal de tu voz…/ Tarantela del barco italiano…/ La cantina se ha puesto feliz,/ pero siento que llora, lejano,/ tu recuerdo vestido de gris…

Señala Gobello: La grabaron simultáneamente, en 1954, Alberto Marino, con orquesta; Aníbal Troilo, con la voz de Jorge Casal, y Edmundo Rivero, con guitarras.
Tarantela: Baile napolitano, de movimiento muy vivo, en compás de 6 x 8.
El neologismo “gobeleando” deriva de la toma de información captada del libro en que el investigador hace gala de su saber profundo.
Las notas, en algunos casos, estarán matizadas con consideraciones y opiniones propias.

ELOGIO DEL TANGO

2009-12-18T06:39:00.001-08:00

TROILO EN 100 CAPÍTULOS
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 14.12.2009

Aníbal Troilo (Pichuco) es una de las esencias más perdurables del tango.
Para hablar de él se han juntado dos plumas: la de nuestro compatriota Horacio Arturo Ferrer y la del maestro argentino José Gobello (Belgo).
Véase lo que aporta este último, con su ilustrativo comentario:

“Nuestro académico de número (1) Don Horacio Arturo Ferrer podría adjudicarse así mismo aquella conmovedora confesión de Ovidio (Tristes, IV, 10): Quidquid tentabam dicere versus erat, “todo lo que intentaba escribir era poesía.
De retorno de una de sus presentaciones triunfales en Europa, Ferrer da a conocer ahora esta obra sobre Troilo, hecha a lo grande. Nada hace Ferrer que no sea a lo grande, como los mil versos para Picasso que tiene en gateras.
Hay en este homenaje literario a Troilo recuerdos, anécdotas, valoraciones, admiraciones, crítica, historia mayor e historia menor… Pero ¡caray!, todo lo que intenta escribir siempre resulta poesía.
Así como Troilo dijo de Gardel que no era que su canto tuviese ritmo, porque el ritmo era él mismo, de Ferrer puede afirmarse que no se trata de que todo le salga poesía, sino que él mismo es la poesía.
Los cien capítulos que dedica a Pichuco, más una antología en CD y, todavía, de yapa, ciento veinte fotografías memoriosas, impagables, nos ofrecen, es claro, un Troilo cabal y multirostro, de quien los puñales de hielo con que nos desgarraba su derecha me persiguen como el ensimismamiento de quien estaba pensando en su propia alma, que se le escapaba por los dedos.
Leo a Ferrer y siento sus páginas como una verdadera almografía personal. Cien capítulos sobre Troilo son también cien capítulos sobre Ferrer.
Me cito a mi mismo. En mi poesía “A Misael” digo de lo que yo mismo escribo que, cada cuartilla es la fotografía que me muestra distinto e inmutable. También, inmutable y distinto se muestra Ferrer, ya se refiera a Pichuco, a Picasso, a Woody Allen, a la última grela o al colifato que ve a la Luna rodando como un queso de bola sobre el smog de la Avenida Callao. BELGO.”

(1): Referencia a la Academia Porteña del Lunfardo.

ELOGIO DEL TANGO

2009-12-18T06:26:00.000-08:00

EL MAESTRO JOSÉ GOBELLO
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 13.12.2009

El año se cierra con el extraordinario reconocimiento hacia el tango y el candombe como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
La distinción, conferida por la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Ciencia, la Educación y la Cultura), abarca el área de los países platenses.
La decisión, obviamente, llena de gozo a los cultores de las dos modalidades musicales. Cubre el extenso espectro de intérpretes, compositores, músicos, arregladores, vestuaristas, alcanzando a estudiosos y diletantes. Un mundo multicolor y creativo por el que se muestra la sensibilidad compartida de las comunidades argentina y uruguaya.

En un plano más íntimo, aunque igualmente significativo, un ilustre intelectual argentino, Don José Gobello (Belgo), celebró sus 90 años.

Estuvo rodeado por sus colegas de la Academia Porteña del Lunfardo y otras personalidades.
Recibió el título académico de Periodista Honoris Causa del Instituto Grafotécnico, decano en Argentina en la formación de comunicadores.

Para la reedición de Lunfardía, en que Gobello examina con erudición brillante las peculiaridades idiomáticas de expresiones allegadas al tango, el uruguayo Horacio Arturo Ferrer pudo manifestar, entre otros conceptos:
…Nombre consular, entre nombres con historia y lustre en el registro íntimo y público de la Academia Porteña del Lunfardo, donde oficia sermones paganos con elegancia pausada y elegidas palabras de la Real Academia Castellana.
…Estilista de prosa delicada y contundente e inconfundible, tal que la lectura de esa prosa trajera siempre aparejada su voz cálida y seductora, su voz de cantor con el ritmo tomado del saber mucho y con la música pedida a las ideas y a la armonía de las ideas.
…Numen de esta Lunfardía que esclarece en las esquinas con luz de faro, que va para medio siglo que alumbra y da fecha al habla de la furca y la ganzúa, el bandoneón y el lirismo soberbio de nosotros los reos.

El preclaro homenajeado es uno de los nombres imprescindibles para acceder al cofre que guarda los secretos de la vitalidad universal del tango.

***

ELOGIO DEL TANGO

2009-12-14T06:15:00.000-08:00

RIMAS ROMÁNTICAS Y LUNFARDAS
Escribe Walter Ernesto Celina
waltercelina1@hotmail.com – 12.12.2009

La ciudad de Tacuarembó acaba de discernir un título honorífico a la investigadora gardeliana Sra. Martina Iñiguez en mérito a sus contribuciones ratificatorias de la nacionalidad uruguaya de Carlos Gardel.
Reservo para otra oportunidad un comentario sobre la adjudicación del GARDEL DE ORO a la galardonada, para centrarme en otra arista de su personalidad.

La intelectual correntina, radicada en Buenos Aires y asidua visitante de Uruguay, incursiona de modo feliz en el campo de la poesía, siendo cultora de la letrística lunfarda, forma literaria de compleja y no frecuente articulación.

Ricardo Ostuni, prologando Veinte Poemas de Lunfaumor y una Canción Desafinada decía, a fines de 1993: Es alentador este primer libro de M. I. Preanuncia otros de creciente calidad.
La soltura con que maneja el arduo endecasílabo del soneto (1) es una muestra de su baquía poética. El Grupo Poesía de Buenos Aires expresa su máximo alborozo por esta iniciación.

Y razón tenía el distinguido comentarista. En 1998 M. I. hace conocer sus Rimas de...Mentes (Al estilo de Gustavo Adolfo Bécquer).
Cabe ubicar, sucintamente, al poeta español (1896-1870). Se le considera el exponente máximo del romanticismo ibérico y un lírico de excepción.
Sus versos están contenidos en sus famosas Rimas, en tanto su refinada prosa se encuentra tanto en Cartas, como en Leyendas.
En Si tenés un ojo negro M. I. toma la Rima XIII del español, la transcribe -para recordárnosla- y, luego, estampa la suya. Exhibe capacidad e ingenio para la composición y nos transfiere una página de humor disfrutable.

RIMA XIII ORIGINAL

Tu pupila es azul, y, cuando ríes,/ su claridad suave me recuerda/ el trémulo fulgor de la mañana/ que en el mar se refleja.
Tu pupila es azul, y, si en su fondo/ las transparentes lágrimas en ella/ se me figuran gotas de rocío/ sobre una violeta.
Tu pupila es azul, y, cuanto más lloras,/ como un punto de luz radia una idea,/ me parece en el cielo de la tarde/ ¡una perdida estrella!

RIMA LUNFARDA

Tenés un ojo negro y tu sonrisa/ muestra un agujero nuevo que recuerda/ a un choclo masticao por un gusano/ que tiene buenas muelas.
Tenés un ojo negro, si lo abrieras… ¡pavada de mirada franelera!/ Se me hace que debieras, a tu párpado,/ ponerle una chuleta.
Tenés un ojo negro, ya no llores,/ vos sos de los que a golpes no escarmientan/ ¡No es la primera vez que en el boliche/ te fajan por curdela!

NOTA (1) Y LÉXICO

Soneto: Poesía de 14 versos endecasílabos. Endecasílabo: Palabra de 11 sílabas.
Franelera: Acariciadora, excitante. Fajar: Golpear, pegar, castigar. Curdela: Borracho.

“BABILONIA” DE ARMANDO DISCÉPOLO

2009-11-04T04:22:00.000-08:00

TEATRO CON PERSONALIDAD
Escribe Walter Ernesto Celina

Hace 60 años, en un modestísimo local de la calle Mercedes, en el Cordón de Montevideo, nacía la Institución Teatral “El Galpón”.
El ilustre director Atahualpa del Cioppo le imprimió al emprendimiento la característica de entidad independiente y de vanguardia en su género.
Hoy, en su remozada sala de la Av. 18 de Julio, sigue ofreciendo obras de dramaturgia de todos los tiempos, en tres escenarios que integran su complejo cultural.

El experimentado director Jorge Denevi, realiza la puesta en escena de Babilonia, la pieza del argentino Armando Discépolo (fallecido en 1971, a los 83 años).
Quince actores entran en acción, con veinticuatro más que cubren los restantes rubros de respaldo del espectáculo. Los elementos cuantitativos señalados dan idea del esfuerzo que permite plasmar la obra.

Su creador fue una relevante figura del teatro y del cine rioplatense, hermano del inolvidable Discepolín, Enrique Santos Discépolo.
Cabe decir, de modo preliminar, que su padre fue un napolitano, director de la primera banda municipal bonaerense, generador de una familia instruida.

A los 18 años Armando Discépolo se entrega a la escritura teatral, encontrando el respaldo de Pablo Podestá, uno de los puntales de la actividad proscénica, de riquísima tradición en la gran urbe rioplatense.
Julián y Osvaldo Barsky señalan que el criollismo como corriente popular recibirá un fuerte impulso a partir del desarrollo del llamado“circo criollo” y de la consolidación de los sainetes. Estas eran precisamente, piezas en un acto, dramático-jocosas, de tono popular. Formaban parte del género chico, denominación que las apartaba del serio, cultivado por compañías extranjeras y operísticas.

En conversación con Elba López, señalaba Denevi que el término grotesco criollo fue acuñado por Discépolo para otro de sus sucesos: Mustafá, una forma de ver lo dramático a través de lo común. Él estaba dolido por la tragedia humana, de donde provienen la mentira, el fingir amor, la falta de honradez...
Advierte el director que Babilonia refiere a una sociedad que funciona de determinada forma -para el tiempo en que fue escrita- pero, además, para una sociedad como ésta, de 2009!

Su ambiente está cargado de los elementos de la inmigración, qué tan importantes rasgos han marcado en el Plata, lo que no inhibe el traslado de situaciones a través del tiempo. Italianos, gallegos, alemanes, judíos. Pobres y medio ricos.
Las variantes dialectales fueron asumidas con puntillosidad, configurando los perfiles de un tiempo perdido, aunque aún latente.
En esta Babel del desorden y la confusión (de donde deviene el título Babilonia), surge la modalidad del sainete, transformado en grotesco criollo.
Comicidad y drama van de la mano y, por las hendiduras de la trama, Denevi busca a Discépolo para mostrar lo que llama bestialización del hombre en la miseria.

Sobre un inmenso escenario, aparecen dos ambientes unidos: un arriba -opulento y cargado de sugerencias-, y un abajo -muy doméstico- en que opera la servidumbre.

La música perfeccionada del tango, llevada a cabo por Julio De Caro, abre la primera página y, el final de fiesta, lo brinda la internacionalización del canto, con composiciones cantadas a capella por integrantes del elenco en varios idiomas.
¡Habría muchísimo más para decir!

waltercelina1@hotmail.com

29.10.2009

TRES URUGUAYOS ALLENDE AL PLATA

2009-11-02T12:34:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina

El Río de la Plata es el Mare Nostrum que surcan uruguayos y argentinos, con sus sueños a cuestas.
Cuando en 1516 Juan Díaz de Solís se adentró en el gigantesco estuario, guaraníes o charrúas dieron muerte al navegante intruso. Ya, en aquella lejana época, nuestros pobladores autóctonos, con sus modestos medios de transporte acuático, más allá de las orillas desafiaban los misterios de las gigantescas aguas y las boscosas islas cargadas de frutos silvestres.
La guerra de la liberación vio cruzar buques corsarios y barcazas independentistas. Cuando sobrevino la inmigración, desde la capital porteña y las tierras mesopotámicas nuevos flujos humanos franquearon, otra vez, las aguas del Plata y del Uruguay para dar una fisonomía variada y plural a nuestras tierras.
Del federalismo -pensado para una institucionalidad que no pudo ser-, sobrevivió un sentimiento de hermandad. Al amparo de este patrimonio fraterno, uruguayos y argentinos, argentinos y uruguayos, abren -abrimos- las puertas a la amistad y al trabajo. Es una historia que el tiempo no desmerece.

Los uruguayos China Zorrilla, Hermenegildo Sábat y Víctor Hugo Morales gozan de un bien ganado prestigio en la ciudad de Buenos Aires -la Reina del Plata-, en actividades culturales diversas.
Allí se reunieron hace un tiempo, en la casa de Morales. Departieron amistosamente para un reportaje, que publicara Miguel Bardesio en Montevideo.
Sábat llegó a la civitas fundada por Pedro de Mendoza, en los años de 1960; China en los 70 y Víctor Hugo en los 80.

Zorrilla, actriz consumada de 87 años, actúa con Carlos Perciavalle en el reestreno de El diario de Adán y Eva.
Edita, asimismo una especie de memoria epistolar, en la que conjunta cartas que escribiera desde las residencias que ha tenido en Londres y Nueva York y en las de Buenos Aires y Montevideo, en que alterna domicilios.

Sábat -igual que Arotxa, dibujante caricaturista capitalino- posee un indudable talento artístico. Trabaja para las ediciones del Diario “Clarín”, punta de lanza de un potente grupo de multimedia.
Una caricatura suya, presentando a la Presidenta Cristina Fernández con la boca tachada, se interpretó como una crítica al propósito de la mandataria de reestructurar las actividades concentradas de difusión.
Sobre el particular, no emite juicio. Aprecia sí, la decisión del diario que en Buenos Aires le brindó posibilidades para proseguir su oficio -colindante con el humor y la política-, que comenzara, en 1955, en el Diario “Acción” (de Montevideo). Apenas acota: “Sobre lo que me pasó no hablo, porque el dibujo tampoco tiene palabras.”
Manifiesta su cariño a la metrópolis de adopción: “Es la ciudad donde nació mi madre. A mi me permitió expresarme y vivir de lo que quería, que es la pintura y el dibujo. Estoy muy agradecido a Buenos Aires. ¡Claro, hay cosas que están más allá de nuestro alcance!”

Víctor Hugo Morales gusta de la vecina ciudad. Vive frente al río, en una posición que en la noche le permite tener los vislumbres de Colonia, en Uruguay. No en vano recuerda: “Nací en Cardona (Soriano), que está exactamente, a la misma distancia de Montevideo como de Buenos Aires.” Y es aquí donde ve cine y goza de grandes espectáculos de ópera, jazz y tango, géneros que avivan su pasión cultural.

Su condición de relator de fútbol surge, en un momento, con la siguiente anécdota sobre Carlos Solé, aquel formidable comunicador del balompié de todos los tiempos: “Él nunca le dio relevancia a ningún jugador. Y fue por eso el autor de la frase más increíble que haya dicho un profesional en mi trabajo, cuando (Víctor)Espárrago le mete un gol a Rusia, la última gran alegría de Uruguay en el mundial de 1970. Con el gol ¿qué hacemos los relatores?: “Gooolll, entró Espárrago, valiente, metió el arpón hasta el fondo y Uruguay revive en los campeonatos del mundo.” Eso diría yo. Pero, Solé hizo esto:“Gol, Espárrago, este mediocre futbolero, tocado por la varita mágica de la gloria.” Es maravilloso y lo pudo hacer porque Solé nunca había cruzado ni una palabra con Espárrago.” A renglón seguido, ratifica su postura de relator imparcial, subrayando su independencia respecto de cualquier club deportivo.
Tres uruguayos en Buenos Aires.
China Zorrilla se confiesa. Habla de su pasión por el teatro y del secreto de su frescura: “Vivo haciendo para vivir. Y hay una cosa que me sigue gustando como el primer día, que es salir para el teatro...¡ y lo voy a seguir haciendo!”
No menos, en lo suyo, hacen sus otros dos compatriotas.
Talento, respeto y hermandad se transportan sin cesar, de una ribera a la otra. Aguas de unión de pueblos, donde no existen intrusos.

waltercelina1@hotmail.com

26.10.2009

TANGO, CULTURA Y POLÍTICA

2009-11-02T11:42:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina

A mediados del siglo pasado las conferencias y trabajos del musicólogo uruguayo Lauro Ayestarán permitieron llegar a las raíces, bastante ocultas, cuando no menospreciadas, de numerosísimos hechos folclóricos nacionales.
De ahí, en más, hubo una revalorización creciente de los acentos de nuestra cultura musical.
La UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Ciencia, la Cultura y la Educación) ha dado un espaldarazo al tango y al candombe, incorporándolos en la lista que los jerarquiza como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

En las horas inmediatas a este pronunciamiento, efectuado en octubre de 2009 en la ciudad de Abu Dhabi (ciudad isleña árabe del Golfo Pérsico), el Embajador de la República Argentina en Uruguay publicó una nota, con el expresivo título de “Un patrimonio universal que fortalece la común identidad”.

Hernán Patiño Mayer señala, con acierto, algunos conceptos que me parece oportuno transcribir.

1.- “En el mundo globalizado... la preservación de la identidad es quizás uno de los mayores desafíos con los que se encuentran los pueblos. La globalización, con todas las oportunidades que nos brinda, nos plantea el riesgo de vernos subsumidos en una suerte de identidad universal...”

2.- “Nadie es sólo hijo de sus padres y de su ambiente, pero nadie llega a ser quien efectivamente es, si niega, reniega o ignora sus orígenes.
Algo muy similar ocurre con los pueblos. La gran cuestión parece radicar en responder con sabiduría al dilema de: ¿cómo estar, sin dejar de ser?”

3.- “Hubo tiempos en que el tango y el candombe eran negados por las elites de las dos grandes capitales platenses. El primero, por asociarlo a la cultura arrabalera de los suburbios, territorio de burdeles y conventillos, poblado de prostitutas y compadritos cuchilleros. El otro, por tratarse de la expresión sobreviviente de la cultura afroamericana, recordatorio vergonzante de la barbarie esclavista y testimonio de rebeldía de quienes, aún hoy, luchan por su definitivo reconocimiento.”

4.- “Hizo falta que el tango triunfara en Europa, en las primeras décadas del siglo pasado, para que las puertas cerradas por el colonialismo cultural comenzaran a abrirse a una de las expresiones más ricas de la cultura popular universal.”

Aparte de esta valoración, tan elocuentemente pronunciada por el representante diplomático de la nación hermana, no deseo prescindir de algunos enunciados políticos que con elevación de espíritu manifiesta esta personalidad.
Es su llamado a no perder la oportunidad para “reflexionar seriamente sobre la importancia de enfrentar juntos los desafíos que se nos presentan... Si las dificultades nos dividen -agrega-, habrán vencido las dificultades y las que con ellas se benefician. Si, por el contrario, somos capaces de enfrentarlas juntos, no sólo sabremos superarlas sino que, como en este caso, reafirmaremos ante el mundo que, en este sur que también existe, hay dos pueblos que son uno al tiempo de defender sus valores y proyectar el porvenir.”
Demos a los hechos, entonces, la oportunidad de atarse a los buenos deseos, para que no nos devoren los ahítos de adentro y de afuera.

waltercelina1@hotmail.com

19.10.2009

VEREDAS RIOPLATENSES A TANGO Y TAMBOR

2009-10-20T14:51:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

La UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura) acaba de celebrar en Abu Dhabi (Emiratos Árabes) una reunión del comité intergubernamental que entiende en la calificación del denominado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

El tango, a instancia de las municipalidades de Buenos Aires y Montevideo, así como el candombe, por iniciativa de la uruguaya, fueron incorporados a los listados que caracterizan a estas expresiones musicales como bienes bajo protección.
El amplísimo ciclo de evolución del primero, la formidable riqueza que encierra como música orquestada, acompañada por una danza original, vivaz y sensual y un canto de inigualable expresividad, sintetizados con armonía y belleza, ameritan la distinción.
Crecido el tango desde el suburbio y los inquilinatos, con la marca de los sinsabores de la vida, a menudo prostibularia, y las nostalgias de la inmigración, que buscaba mejor destino en estas tierras, supo amalgamar dulzuras y dolores íntimos, familiares, sociales, alegrías y remembranzas, en un juego de dramatizaciones irrepetibles y sin parangón en el mundo.
Caminó por veredas polvorientas. Del desprecio transitó a la aceptación, convirtiéndose en su apoteosis en música de todos.

En otra escala, la negritud fue reservorio doliente de las naciones martirizadas por el culto de los esclavistas. Tras los muros del viejo Montevideo, los africanos y sus descendientes cantaron y danzaron por sus desgarros, en un ceremonial que comenzó a abrirse al público en las festividades carnavaleras.
El ritual negro, con sus figuras típicas, muestra una danza sostenida y voluptuosa, asistida por el ritmo de las lonjas (chico, piano y repique). Color, sonido, movimiento, conmocionan y contagian una especie de fuerza telúrica, propicia a una exaltación arrebatadora del ánimo.
Desde Montevideo estos sones ganaron ciudades del interior del país, a las que se suman manifestaciones grupales en Buenos Aires.
Por las veredas rioplatenses, tango y candombe muestran con orgullo identidades propias, singulares.

La investigadora, poetisa, letrista de tangos argentina y, muy apreciada amiga, Sra. Martina Iñiguez, me remitió la letra de tango que le pertenece: Un mismo corazón
Su difusión es propicia a la celebración de un acontecimiento relevante, que hermana a nuestros pueblos y a los defensores de nuestros acervos culturales:

UN MISMO CORAZÓN

Tango

1ª parte

Señores, soy el tango, nostálgico y malevo,

un sentimiento reo me copa el corazón.

Con savia de suburbio y aprontes orilleros

mis cortes fileteo del Plata hasta el Japón.

Yo soy de dos ciudades, las dos de tango en pecho.

Una es Montevideo, bahía y malecón,

y anclado en la otra orilla, si quiero darme aires,

estiro en Buenos Aires mi piel de bandoneón

2ª parte

Señores, soy el tango,burdel, convento y fango...

Florece mi poesía misterios en la voz.

La Cruz del Sur me guía y el río, como un lazo,

hermana dos pedazos de un mismo corazón.

1ª parte bis

Circulan mis arterias Maroñas y Palermo,

Pocitos y La Boca “Pigall” y el “Bataclán”.

Pintín, Piazzola, Troilo, Canaro, Filiberto,

son parte de un concierto sin tiempo, sin edad.

Tembló “Mi noche triste” junto a “La Cumparsita”,

la fama me dio cita y yo acudí puntual

cuando un “Zorzal” canyengue aceleró latidos

y dio jaque al olvido poniéndose a cantar.

A la 2ª parte y fin

Escúchelo en: http://www.esnips.com/doc/ad6f20a1-b4a2-4c50-a0ed-9d304d7e47ac/Un-mismo-corazón

Canta Silvana Grégori acompañada por el trío de Quique Greco

ººººººººººººººººº
Música de Argio Pallares (uruguayo)

Año 1950, la orquesta de Hugo Pelossi actuando en el Centro Democrático con sus integrantes Hugo Pelossi (piano), Francisco Dubini (acordeón piano), Yamandú Varela (saxo), Ángel Domínguez (bandoneón), Blas Jelpo (contrabajo) y Argio Pallares (batería).

Tomada de la página: http://ecosregionales.com.uy/?edicion=1168&noticia=3886

Martina Iñiguez y Silvana Grégori

waltercelina1@hotmail.com

12.10.2009

UN TESORO DE BANDONEONES Y LONJAS

2009-10-15T05:02:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Fue en los suburbios, maduradores de la pobreza, y en los conventillos urbanos de la inmigración, en que el dolor latía como para desequilibrar la esperanza, que nacieron unos pequeños racimos sonoros. Con el valor de un instinto de sobrevivencia, suavizaban la vida dura de entonces. Eran, apenas, pasajes fugacísimos: una danza, unas estrofas cantadas o un ritmo.
Con el leve perfume de las madreselvas, se fueron agarrando al alma de sus protagonistas. Y como todas las creaciones que vienen de la raíz popular, estallaron en sus inicios con la modestia de los festejos grupales.
El tango y el candombe recortaron sus perfiles, tras sus respectivos tránsitos históricos de aceptación y apoteosis social.
Y, lo que a nivel rioplatense tratándose del tango, y especialmente montevideano, en relación al candombe, pudieron ser considerados bienes culturales constitutivos de una identidad regional, reservarían derecho a adquirir dimensiones de trascendencia.
Tras desarrollarse y crecer, las dos formas traspusieron los puertos que las amparaban. Cruzaron fronteras propias y ajenas. Plasmaron artes de valoración superlativa.
La UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura) enroló a ambas expresiones musicales en los listados del Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
En 1972 la entidad había definido el concepto de patrimonio cultural, el que fue adoptado en la Convención de la materia, en 1975.
Siguió la elaboración acuñada por el antiguo derecho romano. Patrimonium es lo que se hereda de padres a hijos. La noción fue trasladada a monumentos y paisajes naturales, poseedores de valores universales excepcionales, alcanzando los enfoques histórico, artístico y científico.
Desde 1990 la UNESCO trabajó la idea de salvaguardia del patrimonio no tangible, oral o inmaterial. Una nueva Convención, en 2003, alcanzó un enunciado preciso y conformó medidas protectivas.
El patrimonio inmaterial abarca “las prácticas, representaciones, expresiones, conocimientos y habilidades, así como los instrumentos, objetos y artefactos, los espacios culturales asociados con los mismos, que las comunidades, los grupos y, en algunos casos los individuos, reconocen como parte de su legado cultural.”
A partir de las peticiones formuladas por las municipalidades de Buenos Aires y Montevideo, el tango entró en la lista de bienes no tangibles protegidos, lo mismo que el candombe, cuya matriz uruguaya no excluye algún matiz porteño. Como contrapartida, la declaración supone la preservación de los atributos de los bienes salvaguardados por parte de las autoridades nacionales competentes.
El espaldarazo que el comité intergubernamental, reunido en Abu Dhabi (Emiratos Árabes), acaba de dar al tango y al candombe pone en el podio de los homenajes perdurables a los cantantes, músicos, coreógrafos, bailarines, compositores, po

etas y custodios de estos tesoros vivos de nuestra cultura.

Esplende el cofre musical. Fluyen los sones añejos de los tambores de la negritud y corporizan las telas de Pedro Figari. De los rescoldos del tiempo, llegan las coplas criollas que cantaron a la independencia y al gauchaje bravío. Y las que en ramillete se armaron, desembocando un día, en los versos que Villoldo estampó sobre una música de Saborido, para inaugurar con La morocha el más asombroso derrotero.
Carlos Gardel condensa, consolida y deja las puertas abiertas para un inabarcable futuro. Cual malvón de orilla, un “lo que vendrá” -avizorado por los De Caro, Troilo, Pugliese y Piazzolla- está en floración.
Suenan las lonjas. Se estremecen las guitarras y los bandoneones.

waltercelina1@hotmail.com

12.10.2009

RACCIATTI, MÚSICO POPULAR URUGUAYO

2009-06-08T13:26:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

No es habitual que en los centros deliberativos departamentales, ni en los nacionales, los representantes de la ciudadanía asuman temas relativos a la música popular.
La excepción, tal vez, se de en la Junta Departamental de Montevideo. En este órgano el edil Dari Mendiondo periódicamente toma la cuestión, exaltando los valores que caracterizan al tango, una creación de auténtico cuño rioplatense.
En la sesión del 28 de mayo último rindió, simultáneamente, dos homenajes y saludó a figuras entrañables.
Recordó el noveno aniversario del alejamiento de Donato Racciatti y el día de los obreros de la industria frigorífica. A este respecto, destacó la presencia en las barras de Roberto Bianco, canillita de la Villa del Cerro, poeta y cronista, quien vivió en el cuadro de históricas luchas proletarias.
Evocando la contribución de Racciatti a la difusión del tango, señaló que el maestro había nacido en Guilmi, provincia itálica de Chieti, en Los Abruzos. Llegó al país a los cinco meses, con su padre Mauro, su madre Rita y hermanos.
Tras citar a familiares y amigos, algunos vinculados a la Junta Departamental, memorizó la imagen de un gran cantor que acompañara, primero, al maragato Francisco Canaro y, finalmente, a Donato Racciatti: Carlitos Roldán.
Por los años de la década del 50 este artista asistía al café La Cumparsita, ubicado en Tristán Narvaja y Paysandú, que era atendido por Don Lorenzo. Los trabajadores de Radio Mayo -entre los que se encontraba Mendiondo- hacían su descanso intermedio allí. Y Carlos Roldán, con su canto y anécdotas, en cada jornada, enseñaba con cordialidad algo de su arte y sus vivencias.
Citando un relato de Roberto Bianco, el legislador municipal revela que el director orquestal uruguayo, siendo niño y regresando de la Escuela Pública Bélgica, se detiene en la puerta de un bar para escuchar, desde una radio, una voz impactante: la de Mercedes Simone, La Dama del Tango!
En estas referencias apretadas no puede dejar de mencionarse algo que influyó grandemente en la vida de Donato Racciatti. Se trata del momento en que su padre le obsequia un bandoneón Doble A. El joven avanzará en sus estudios de solfeo, armonía, instrumentación y, a la par, en el oficio de herrero, en la Universidad del Trabajo.
Integra orquestas uruguayas y argentinas y forma su propia agrupación. Sobrevendrán éxitos. Giras por Uruguay, Argentina, Brasil y viajes al Japón. Se escalonan en este tiempo voces perdurables, como las de Nina Miranda, Olga del Grossi y la del mercedario Félix Romero.
Manifiesta Dari Mendiondo, al concluir su disertación:
“...El bandoneón es un órgano chiquito. El órgano es el instrumento, por excelencia, con el cual las grandes iglesias en Europa convocaban a los feligreses, a los fieles, quienes a través de la música encontrarían el camino celestial, lo místico, lo espiritual, lo que permitía a la gente contemplarse a sí misma, buscando paz y felicidad. En Alemania tenían el problema que sus procesiones hacia vírgenes, santos, idolatrados, no tenían música que las acompañara. Hubo que inventar un instrumento portátil que cumpliese las mismas funciones del órgano. Tal, el origen del bandoneón.
Difícil es sacarle sonidos y melodías.
Eso lo logró, desde niño, don Donato Racciatti.”

waltercelina1@hotmail.com - 06.06.2009

DESPUÉS DE CARRIEGO

2009-04-03T12:00:00.000-07:00

UN PERIODISTA EN EL PALERMO ACTUAL
Escribe Walter Ernesto Celina

LO QUE LOS CAMBIOS NO BORRAN

Cuando la bruma costera envolvió la voz de Evaristo Carriego, alejando sus pasos de su Palermo Viejo, Jorge Luis Borges recuerda, en la Fundación mítica de Buenos Aires, lo que seguirá en la memoria:

Prendieron unos ranchos trémulos en la costa,
durmieron extrañados. Dicen que en el Riachuelo,
pero son embelecos fraguados en La Boca.
Fue una manzana entera pero en mitad del campo,
expuesta a las auroras y lluvias y sudestadas.
La manzana pareja que persiste en mi barrio:
Guatemala, Serrano, Paraguay, Gurruchaga.

MIRADA DE UN EUROPEO

Juan Cruz Ruiz, periodista y escritor, vinculado a El País de Madrid, está inmerso en la corriente denominada del nuevo periodismo, que plantea exigencias de veracidad y comprobación en los informes al lector, combinadas con el manejo de pulcritud en el lenguaje utilizado y la utilización de la nueva tecnología.
Se maravilla de la capacidad de los argentinos “que siempre se juntan y se encuentran”. Ve al Palermo de hoy como un sitio especial, en el que se asocian escritores, artistas e intelectuales, al amparo de cafés y talleres creativos.
Rememora su encuentro con Edgardo Cozarinsky (escritor, cineasta, dramaturgo, director y actor teatral, nacido en Argentina en 1939) y Juan Martini (novelista rosarino, exiliado en España, nacido en 1944), recordándolo así: “...Estaban allí, por Palermo, como si se hubiera parado el tiempo, es decir, como si estuvieran en Buenos Aires en un atardecer de principios de otoño, cuando la ciudad ofrece una quietud que uno puede rememorar tan solo yendo a una biblioteca o a una librería a buscar, por ejemplo, este libro de Julio Cortázar, “Los Premios”, en el que el escritor de “La continuidad de los parques” inauguró su larga y fructífera obsesión viajera.” Y anota: "Los Premios” es, para muchos lectores, que no son ni de Buenos Aires, ni de Argentina, ni de Palermo, la novela de Buenos Aires, que tiene ese comienzo magistral, “la marquesa salió a las 5, pensó Carlos López”. Añade después: “Y luego es una excursión, la que le lleva del Lado de Allá al Lado de Acá; a las obsesiones del Cortázar que terminaría escribiendo “Los autonautas de la cosmopista”, y traslada en un barco toda la fantasía de la que fue capaz, ese gran porteño que volvió en diciembre de 1983 a despedirse de la ciudad que le puso a escribir.”

Cruz habla casi como escribe, tocando la metáfora. Y, como tantos uruguayos, alaba los espacios con libros, los nuevos cafés y la tersa arquitectura actual del barrio rioplatense. Lo demás, no lo pudo soñar Carriego. Clases acomodadas desalojaron a los descendientes de inmigrantes. Desaparecieron “las chatas entrando al corralón”...

REFLEXIONES DESDE LA EXPERIENCIA

También opina.
Sobre el periodismo tradicional recuerda que “lo divertía”, sin perjuicio de considerarlo “un desastre”. Más, existen los “desastres de ahora”...
Recomienda: “Debemos ser más autocríticos”, preguntarnos “por qué la gente no nos lee tanto”.
Sobre cómo trabajaba antes, dice: “...En una época sólo tomaba notas; luego recogía lo que recordaba. Hasta que tuve un problema...”
Se acuerda del marco de su mejor entrevista. Fue con el escritor portugués Saramago: “Estábamos solos, con el ordenador (computadora) en el medio. Como contestaba, transcribía. Y así fue publicado.”
A la pregunta de si está conectado todo el tiempo, se confiesa: “¡Qué tema! Sí... y lo lamento". Después establece: “Tocamos ahora las cosas de modo diferente. No creo que sea lo mejor.”
Sostiene que la dictadura franquista dejó en la educación “una marca terrible”.
Interrogado sobre si España se debe todavía una revisión más profunda, contesta sin ambages: “Creo que sí. El movimiento de la derecha para decir que ya está todo contado, es una falacia.”
Hay un Palermo que se yergue en el tiempo, el que proclama su fidelidad a la cultura.

(Fuentes: Propia y reportaje de Fernando García. “El País Cultural”/1008)

waltercelina1@hotmail.com
(17.03.2009)

CARRIEGO, EN LAS MEDIANOCHES DE PALERMO

2009-03-07T00:45:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Por el empedrado sinuoso de las veredas de Palermo, Evaristo Carriego cruza el barrio en las noches apacibles y cuando los brillos de luna salpican los charcos y la lluvia se afina. Va y viene de las redacciones en que se escriben “La protesta”, “Ideas” o “Caras y caretas”.
Anima los cenáculos que se encienden en locales en que el pensamiento libertario moviliza la cultura y la política. Sus manos sostienen pliegos de tinta fresca. Los leerá en míticas mesas de cafetines, en que se arremolinan noctámbulos sentimentales y soñadores.
¿Qué está naciendo del filo de su pluma, estremecida por una fiebre extraña y corrosiva?
Jorge Luis Borges ha sostenido que si “Esteban Echeverría fue el primer espectador de la pampa, Evaristo Carriego fue el primer espectador de los arrabales.”
Nacido en 1883, fallece en 1912, marcando un surco hondo en la germinación del verso popular. Su mirada nostalgiosa cae sobre los actores del suburbio, como la tuberculosis, implacable, sobre él.

Tal como lo ha analizado Borges “no hubiera ejecutado su labor sin la vasta libertad de vocabulario, de temas y de metros que el modernismo deparó a las literaturas de lengua hispánica, de este y del otro lado del mar...” Y tras destacar lo que lo estimuló y le fue adverso del modernismo, agrega: “Una buena mitad de “Misas herejes” consta de parodias involuntarias de Darío y de Herrera. Más allá de esas páginas y de las lacras eventuales de las que quedan, el descubrimiento, llamémosle así, de nuestro suburbio define el mérito esencial de Carriego.”

Las imágenes del entrerriano de Palermo son simples, ingenuas, antes no utilizadas. En el poema “En aquella vez que vino tu recuerdo” alguien ha dejado el hogar: “La mesa estaba alegre como nunca./ Bebíamos el té: mamá reía.../
Estábamos así, contentos, cuando/ alguno te nombró, y el doloroso/ silencio que de pronto ahogó las risas...”
La escena se repite en “Caperucita Roja”, que se nos fue”. Plantea los efectos de la ausencia de otra mujer: “...La casa es un desquicio: ya no está la hacendosa/ muchacha de otros tiempos. ¡Eras habilidosa/ que todo lo sabías hacer con esas manos...!”
En “Como un deslumbramiento...”, exalta los encantos femeninos, presagiando el momento en que “revienten las yemas donde el placer anida”.

Borges, buceando en la evolución y los matices de la composición pionera de Carriego, advierte cómo llega “...a lo que no es injusto llamar la poesía de la desdicha cotidiana, de las enfermedades, del desengaño, del tiempo que nos gasta y nos desanima, de la familia, del cariño, de la costumbre, y casi de los chismes.” Y el maestro concluye con este aserto: “Es significativo que el tango evolucionara de un modo paralelo.”

En “Después del olvido” pareciere que el poeta -obrando como el verdadero precursor que fue-, se le adelantara a Pascual Contursi (el de las memorables letras “Mi noche triste” y “De vuelta al bulín”), cuando escribe estas estrofas: “Porque hoy has venido, lo mismo que antes,/ con tus adorables gracias exquisitas,/ alguien ha llenado de rosas mi cuarto/ como en los instantes de pasadas citas.” Y más adelante: “Y porque al fin vuelves, después del olvido,/ en hora de angustias, en hora oportuna,/ alegre como antes, es hoy mi cabeza/ una pobre loca borracha de luna!”.
Hacia el antiguo Palermo de piedras adoquinadas, en el que estampara su paso Evaristo Carriego, convergieron las musas que inspiraron los versos “La cumparsita”, “El esquinazo”, “Volvió una noche”, “Los mareados”, “La mariposa”, “Nostalgias”, “Milonguita”, “El patio de La Morocha”, “Romance de barrio” y tantos tangos más. Rodean para siempre a “El último organito”, testigo vivo de un tiempo que anuda la historia del arrabal rioplatense.

waltercelina1@hotmail.com
06.03.2009

TRUCO, RETRUCO Y ¡TANGO!

2008-12-04T01:49:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Citaré algunos nombres de personalidades literarias del ámbito platense que han desenvainado espadas para hablar del tango. No siempre a favor.
Tengo el recuerdo fresco de Fernán Silva Valdés. En los libros de lectura del ciclo escolar sus versos cantaban al entorno del campo y al colorido de los pájaros. Adolescente ya, lo descubrí como autor de la letra de “Clavel del aire”, con música de Juan de Dios Filiberto y la interpretación máxima de Carlos Gardel.
Cursando secundaria, un día apareció Líber Falco y, más adelante, Jorge Luis Borges. Eran tiempos en que Pablo Neruda inundaba los espacios. Marcaba las preferencias juveniles cuando con sus 20 poemas exaltaba a la mujer y, con las odas y otros versos, cantaba a un mundo nuevo.
Quizás en esto radicaba la gran diferencia con el Borges próximo, sobre el que nos interrogábamos.
El maestro argentino formaba parte de una rueda casi habitual, que nos seguía como la sombra al cuerpo, bajo la advocación gardeliana.

En poemas de harina y agua, Líber Falco había escrito:
“Yo nací en Jacinto Vera” (Qué barrio Jacinto Vera/ ranchos de lata por fuera/ y por dentro madera); “Tengo un atajo en cielo” (Tú, muchacha, y mis amigos,/ todos iremos del brazo) o “Fuera locura pero hoy lo haría” (Atar un moño azul en cada árbol/ ir con mi corazón de calle en calle./ Decirle a todos que los quiero).
Y en la intimidad, estampaba su tango “Tardecita”, con estrofas musicalizadas por Domingo Bordoli, Casto Canel y Fernando Falco:
Es muy lindo llegar/ cuando el sol ya declina/ volver de nuevo a la esquina y ponerse a soñar./ Vuelto de tardecita/ me esperaba un querer; mate amargo, dulzura, mujer!

Sobre “El compadre”, Fernán Silva Valdés había dado algunos trazos descriptivos:
Vestía pantalón a la francesa/ con un vivo negro;/ zapatos de taco alto,/ anillo en el meñique,/ sombrero requintado y pañuelo al cuello.
Y en “El tango” apuntaba:
Tango:/ por entre la cadencia de tu música queda/ yo palpo la dureza viva del arrabal,/ como por entre una vaina de seda/ la hoja de un puñal.

Con título homónimo, Jorge Luis Borges hilvana en un himno epopéyico:
Una mitología de puñales/ lentamente se anula en el olvido;/ una canción de gesta se ha perdido/ en sórdidas noticias policiales./ Hay otra brasa, otra candente rosa/ de la ceniza que los guarda enteros;/ ahí están los soberbios cuchilleros/ y el peso de la daga silenciosa.

Enrique Amorim, poeta y novelista salteño, me había sido presentado por su amigo Rodney Arismendi en el Parlamento, unos años antes del 60, en que falleciera. Su poema “Retruque” a Borges me decepcionó:
Turbia ralea despreció a la mina/ y a la costurerita y se burlaron/ (aquellos que mejor te cultivaron)/ del sin trabajo, al sol en una esquina. Tango de los reacios al horario,/ de los socios del tango haraganote./ En lento conformismo sin Quijote/ ablandaste el acero proletario.

La respuesta vino, en tiempo y forma. De entre las filas en que militaba el ilustre Amorim, en el Diario “El Popular”, en el Nro. 84 de 1958, Juan José López Silveira le ofrece extensa réplica.
Explica: “En sus orígenes, consentidos unánimemente entre el 80 y el 90, el tango careció de letra. Después, a principios del siglo XX, su canción fue himno entonado, es cierto, a las hazañas de una “turbia ralea” de prostitutas y ladrones, cuyo ambiente vital eran los burdeles de Buenos Aires o Montevideo."
Más adelante subraya:
“Claro está que el tango no es proletario, ni pudo serlo en su origen, por razones obvias.” Y apunta: “Los desclasados, del modelo rioplatense, fueron, en cierto sentido, trabajadores que actuaban y vivían en el sitio que les dejó libre la burguesía.”
Sostiene:
“La expansión urbana, con la mezcla y la proximidad de gentes antes separadas, determinó también una amplia dispersión temática en los motivos inspiradores de las letras de tango.”
Recuerda:
“Los nuevos temas pretendieron abarcar todos los aspectos de la vida ciudadana y presentar “una inconexa y vasta comédie humaine de Buenos Aires”, según dijo, precisamente Jorge Luis Borges.”
Remarca, en otro pasaje:
“Entre el primero y el último tango corrieron, no en balde, más de 70 años” (ahora, muchos más). Aquellas “minas se convirtieron en fabriqueras” y los “hijos del taita pidieron trabajo al capataz gringo”.

Jorge Luis Borges levanta su cabeza y, con los dedos en el teclado de Astor Piazzolla, en “Alguien le dice al tango”, rememora:
“Tango que he visto bailar/ contra un ocaso amarillo/ por quienes eran capaces/ de otro baile: el del cuchillo... Tango que fuiste la dicha / de ser hombre y ser valiente”.
Vuelan las notas después en “Jacinto Chiclana”:
“Me acuerdo, fue en Balvanera,/ en una noche lejana,/ que alguien dejó caer el nombre/ de un tal Jacinto Chiclana./ Algo se dijo también/ de una esquina y de un cuchillo./ Los años no dejan ver/ el entrevero y el brillo./ Después: “Me gustaría saber/ cómo habrá sido aquel hombre./ Alto lo veo y cabal, con el alma comedida; capaz de no alzar la voz/ y de jugarse la vida...”

En el juego realidad-imaginación, el sociólogo Prof. Daniel Vidart escribió hace cuatro décadas:
“El vencedor mira sin odio al caído, limpia el cuchillo en la suela de la alpargata bigotuda y se va, sin saber adónde, a ninguna parte, esto es, derecho al tango, rumbo a la crónica de los guapos que sustituye, en el Río de la Plata, a la verdadera historia.”

waltercelina1@hotmail.com
(29.11.2008)

EL LUNFARDO ENTRA POR LA PUERTA GRANDE

2008-11-11T01:05:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Desde Buenos Aires, Don José Gobello -un sabio en temas de lingüística y a quien el tango le debe formidables recopilaciones de su poética y biografías de los actores de todos los tiempos-, me hace llegar una nota que deseo compartir con mis amigos lectores.
Su mensaje lo tituló “¡Alegría, alegría!” y es muy justa la caracterización. Ese sentimiento tan íntimo también me toca.
Antes de ir al nervio de este comentario, referiré un hecho. Va en paralelo con la labor de otro intelectual amigo.
Hace unos meses, llegando a la mesa de trabajo del investigador e historiador Don Aníbal Barrios Pintos, encuentro que examinaba y corregía pruebas de un lexicón de voces uruguayas.
Que alguien que ya lleva publicados casi cincuenta libros, especialmente relacionados a la historia de la Banda Oriental, estuviera viendo con meticulosidad vocablos nuestros, para luego ofrecerlos en los ámbitos donde otros investigadores brindan su esfuerzo, me pareció fantástico. Ello, fuera de la importancia de rescatar palabras y expresiones propias del uso popular.
En la hermana orilla, Don José Gobello exhibe esa misma fibra, con pasión indeclinable por el estudio y el análisis, proyectando siempre una decantada versación.
El texto al que hacia referencia hace un instante, es el siguiente:

LA LINGÜÍSTICA OFICIAL RECONOCE POR FIN AL LUNFARDO

“La lingüística oficial, por medio de su mayor representante, la Academia Argentina de Letras, ha reconocido por fin al lunfardo. Lo hizo en la primera edición de su Diccionario del habla de los argentinos y lo reitera en la segunda.
La Real Academia Española registró en la primera edición de su diccionario (1726) las voces de la germanía, valiéndose del famoso vocabulario suscripto por Juan Hidalgo, cuando aún se ignoraba quién se escondía tras ese seudónimo. Aquellas voces eran exclusivas de delincuentes –rufos y murcios–; en cambio, los términos lunfardos eran utilizados también por inmigrantes, según recuerda ahora la importante obra recién aparecida. Pese a ello, la academia vernácula los mantuvo durante 130 años en antesalas, antes de admitirlos en el exclusivo recinto de su diccionario.
Tan larga amansadora se debió, sin duda, a que la lingüística académica daba por muerto ese "guirigay" y "jerga gringo criolla" (Arturo Costa Álvarez, Nuestra lengua, 1922, página 147), "un invento de Gobello y Vacarezza", (Borges el memorioso, México 1982), pero la hora llegó –o dies felix memoranda fastis–, y la Academia Argentina de Letras, la misma que mezquinó un sillón a Marcos Augusto Morínigo, Correspondiente de la Real Academia Española, sólo porque presidía la Academia Porteña del Lunfardo, le ha dado estatus lingüístico. En ello se ve la mano de su presidente, Pedro Luis Barcia, hombre de vastos saberes, de mirada aguda y de generoso campo visual.
Lo celebraría otro gran presidente de esa institución, don José Oría, que el 21 de diciembre de 1962 asistió al nacimiento de la APL (Academia Porteña del Lunfardo – W.E.C.).
En 1953 señalé en Lunfardía que el lunfardo era hijo de la inmigración y no un producto carcelario. Esa convicción nos llevó a fundar en 1962 la APL para iniciar su transferencia de la jurisdicción criminológica al campo de la lingüística. Aquel propósito está cumplido. Podemos decir que hemos triunfado. No hemos arado en el agua ni sembrado en la arena.
Pero si la Academia Argentina de Letras reconoce al lunfardo, sigue ninguneando a la APL, sin advertir, tal vez, que esta ha contado siempre, durante sus casi 50 años de vida, entre sus miembros a muy ilustres catedráticos, tales como Giovanni Meo Zilio en Italia, Tomás Buesa Oliver en España, Philippe Cahuzac en Francia, Günther Haensch en Alemania, Héctor Balsas en el Uruguay, Susana Martorell de Laconi, Arturo Berenguer Carisomo, Marcos Morínigo, Oscar Conde, en la Argentina, y otros igualmente valiosos, cuya prolija mención excede la extensión de esta nota.
La Academia Argentina de Letras ha preferido trabajar en soledad. Si con un adarme de humildad hubiera consultado a la APL, habría aumentado el caudal de las voces presentadas, que estima en 4500, por lo menos hasta alcanzar las 5959 que encierra el Diccionario del habla de Buenos Aires de José Gobello y Marcelo Héctor Oliveri, y se habría ahorrado algunas erratas y varias incoherencias. Pero también esto se explica: en la Argentina las instituciones culturales privadas –es decir, ajenas al erario– son lo mismo que kelpers. Es el caso de la APL. Es nuestro orgullo.” Y firma: José Gobello

waltercelina1@hotmail.com
(06.11.2008)

LA POESÍA LUNFARDA DE MARTINA IÑIGUEZ

2008-07-19T23:12:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

De los homenajes a Carlos Gardel que han tenido lugar en Uruguay hubo uno particularmente interesante. Fue el que se celebrara en el Instituto Pedagógico, entidad emblemática de la docencia uruguaya.
Allí la investigadora argentina Martina Iñiguez dio a conocer las conclusiones de sus pesquisas en torno a la escolaridad que El Zorzal registrara en un centro educacional de Montevideo. A ello dediqué una nota informativa, con la anotación -importante, sin duda- que indicaba que la disertante ha de publicar un libro, aportando datos reveladores sobre la orientalidad del cantante rioplatense de todos los tiempos.

La segunda parte del evento tuvo una faceta distinta, aunque asociada a los valores del tango, al propio Gardel, a cuestiones de la letrística y a la dimensión del lunfardo para fundar una nueva poesía.
Asuntos de la cultura, bien ciertos, en los que no faltó la reivindicación de la mujer ante las desviaciones del machismo craso.
Martina Iñiguez abordó este atado de asuntos con el vigor del conocimiento y la soltura amena y precisa de su expresión.

Coincidiendo con la apreciación formulada por el ilustre maestro José Gobello, recordó que la introducción del lunfardo en la lírica del tango aparece con Mi noche triste, composición grabada por El Mago, en 1917. Baste recordar el verso inicial: “Percanta que me amuraste...”
Luego vendrán otras producciones, como las de Celedonio Esteban Flores, a las que Gardel dará difusión, exaltando esta forma de administrar el idioma.

La poetisa recordó qué es el lunfardo.
No es otro idioma, es una particularidad local del que hemos acogido como nuestro, esto es, del español (o castellano).
A propósito, una digresión: Gobello con Marcelo H. Oliveri desarrollaron la temática en la obra “Lunfardo. Curso básico y diccionario”. Lo definen como“un repertorio de vocablos”, diferenciado de la lengua común. No es, sin embargo, una lengua especial”, empleada tan solo por individuos ubicados en “circunstancias especiales”. Tampoco es “un argot de malhechores”, equivalente a los utilizados en diversos países por comunidades de delincuentes.
Gobello indica que su origen se gesta en los dialectos septentrionales italianos, siendo un vocabulario surgido al costado de la lengua común, en virtud de fenómenos socio-culturales. Por ello, “carece naturalmente de sintaxis”, de “reglas que ordenen la relación entre los diversos vocablos”.

En sus “Veinte poemas de lunfaumor y una canción desafinada”, publicados en 1993, en el soneto “Moraleja”, Iñiguez desafía la convención social cuando con gracia versifica:
Mi madre es un ejemplo de recato,/ de honradez, de cordura. Su compleja/ visión del bien y el mal sutil coteja/ lo frívolo, lo turbio y lo sensato.
Me induce a proceder sin arrebato / -que la frivolidad es muy diableja-/ alucina con tanta candileja/ y claudica en algún placer barato.
Despreciar siempre el vil concubinato/ con mesurado ímpetu aconseja, prefiriendo un honrado celibato.
Mas yo saqué mi propia moraleja:/
El vivir, es así bastante ingrato,/ por eso claudiqué. Lo siento, vieja.

La platea del Instituto Pedagógico celebró el soneto “Promesas”, que Martina Iñiguez diera a conocer en 1997 en “Lunfaneto”, labor prologada por Don José Gobello.
Para interpretarlo servirá auxiliarse de este vocabulario: batir equivale a sostener o confesar y, así, sucesivamente, primus a calentador a querosone; croqueta, cabeza; madama, regenta del prostíbulo; bulo, lugar donde se vive o duerme; piola, sabiamente; mishiadura, pobreza; ragú, hambre; mufa, malhumor o desgracia; miqueta, paliza o puñetazo.
Estos, ahora, son los versos lunfardos que recogieran amplios aplausos:
Me batió, vas a ser siempre la llama/ del primus que calcina mi croqueta,/ mi papusa, mi nena, mi pebeta,/ aunque estés más corrida que Madama.
Yo batí, voy a ser sólo tu dama,/ no perderé por otros la chaveta,/ zurciré con amor tu camiseta/ y aprenderé a guisar como tu mama.
¡Cuántas cosas juramos jeta a jeta...!
Él, ponerme un buen bulo con mucama/ y hacerme una señora con libreta.
Yo le juré bancar piola, sin drama/ mishiadura, ragú, mufa, miqueta...
¡Qué cosas se prometen en la cama!

waltercelina1@hotmail.com

CAFÉS DE DOS ORILLAS (III – FINAL)

2008-04-27T05:39:00.000-07:00

EL TUPÍ NAMBÁ

Escribe Walter Ernesto Celina

CÓMO ERA EL VIEJO TUPÍ

La inauguración del mítico café Tupí Nambá tuvo lugar el 8 de mayo de 1889. Se ubicó sobre la calle Buenos Aires, por frente a la plazuela del Teatro Solís.

Su denominación primigenia fue Al Tupí Nambá y supuso un homenaje a los indios del norte de San Vicente (Brasil), quienes trabajaban en los cafetales. Lo regenteaba Francisco San Román, considerado el primer industrial local en la torrefacción del producto.

La juventud y bohemia del 900 tuvo este establecimiento como su refugio privilegiado. Tras sus amplios ventanales se recortaban chambergos de ancha ala, rostros con frondosos bigotes, largas melenas y corbatas con grandes moños.

En 1890, Don Francisco respondía a un cronista de La Razón acerca de porqué en el gran salón se enseñoreaba un busto de Voltaire, el notable filósofo enciclopedista: “Según lo dicen Thiers y Henry Martín, Voltaire fue un gran bebedor de café; era el licor que tomaba y que introdujo en la corte de Federico de Prusia.”

El 27 de junio de 1899, al cumplirse la década de su apertura, tuvo lugar un festejo de campanillas, como se decía. Su propietario fue proclamado Rey de los Cafeteros. Del bautismo participaron, entre otros, estas figuras: José Arechavaleta, Francisco Vázquez Cores, Alcides De María, Constancio C. Vigil, Domingo Laporte, Luis Morandi, Antonio E. Morelli, Rafael J. Fosalba, Jiménez Pastor, Eduardo Ferreira, Samuel Blixen , Juan C. Moratorio.

Tras un breve paréntesis, en que permaneció cerrado, el 12 de abril de 1912, reabrió a todo lujo: “Nada de lo que hemos visto en la capital argentina o brasilera puede igualarse”, señalaba un cronista, para agregar: “Es un café único en esta parte del continente sudamericano. El principal salón ha sido decorado al estilo “Imperio”. El palo guinda domina, dando a la sala un aspecto rosa, interesante en extremo. Grandes cortinas del mismo color hacen juego con el fondo de las mesas dispuestas, cubiertas con legítimo cristal.” La descripción va a otros detalles, referentes a rosetones y adornos, etc., mencionándose en la realización de algunos trabajos la participación de los talleres de la Escuela de Artes y Oficios.

UNA PÁGINA DE MANUEL DE CASTRO

Aníbal Barrios Pintos, trazando las coordenadas de los tiempos por los que atravesara este singular comercio, exhumó una página de 1918, en la que Manuel de Castro, un contertulio habitual de las ruedas del café, recuerda muchos nombres ilustres, asistentes a los intercambios de ideas. Por la parte que daba frente al Teatro Solís, con enorme frecuencia, se veían a: Alberto Zum Felde, Carlos María Princivalle, Carlos Sabat Ercasty, Enrique Casaravilla Lemos, Justino Zavala Muñiz, Juan Parra del Riego, Vicente Basso Maglio, Alberto Demicheli, Ernesto Herrera, Fernando Pereda, Magariños Borja, Ildefonso Pereda Valdez, Enrique Dieste, Mario Radaelli, José Mora Guarnido, Andrés Percivalle Genta, José María Podestá, Humberto Zarrilli, Alfredo Cáceres.
El poeta peruano Parra del Riego se acompañaba, en muchas oportunidades, con su novia, Blanca Luz Brum. Lorenzo Batlle, Mario Dufort y Álvarez y los plásticos Domingo Bazurro, Guillermo Laborde, José Cúneo, Bernabé Michelena, Arzadum, Antonio Pena, Domingo Barbieri, Vicente Puig, Humberto Causa, Federico Lanau cruzaban sus comentarios en aquella babel de opiniones. Ello hizo decir a Manuel de Castro que “nunca se había visto tanta compenetración entre escritores y plásticos.”

CARLOS GARDEL Y CELEBRIDADES OCUPARON SUS MESAS

El memorialista Luis Alberto Varela aportaba información sobre la presencia de Carlos Gardel y su alegre barra de amigos, reunidos por frente al teatro y de la noche en que El Mago cantó Mi noche triste y El sol del 25.

Barrios Pintos ha escrito que el Viejo Tupí fue “paradero de hombres de letras, pintores, artistas, educadores y toda figura importante que visitaba Montevideo”. Cita a García Lorca, Clemenceau, Anatole France, Zamacois, Benavente, García Sanchíz, Gómez de la Serna. Otros recuerdan a la exquisita poetisa argentina Alfonsina Storni
Actores de la talla de Louis Jouvet y Jean Louis Barrault integraron sus voces al murmullo de las magnas noches que se sucedieron, casi sin interrupción, bajo las luces profusas de aquellos recintos, en que la cordialidad y la amistad tejía su entramado con los talentos.
Tras la creación de la Comedia Nacional, por el escritor Justino Zavala Muñiz, adalides del teatro uruguayo llegaban a beber su café, a examinar proyectos de puestas en escena, a evaluar actuaciones y a compartir impresiones de lecturas y debatir iniciativas. Margarita Xirgú, Orestes Caviglia, Alberto Candeau, Enrique Guarnero, Maruja Santullo, Estela Medina, Estela Castro, Concepción “China”Zorrilla, Eduardo Schinca y otros más, fueron parte de esta institución sui géneris.

Hacia 1959 el legendario baluarte del cosmopolitismo uruguayo cerró sus puertas. Una torre de cemento y cristal creció sobre su suelo. Pero no pudo evitar que su recuerdo se elevara, haciéndolo preciado símbolo de la cultura y la sociabilidad uruguaya.

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CAFÉS DE DOS ORILLAS (II)

2008-04-24T02:49:00.000-07:00

LAS PULPERÍAS Y EL POLO BAMBA
Escribe Walter Ernesto Celina
FORMAS DE LA SOCIABILIDAD URUGUAYA

He de manifestar que después de algunas horas de conversación con el eminente investigador e historiador que es Don Aníbal Barrios Pintos, es poco menos que imposible poner en la horma de una nota, los ricos contenidos de un diálogo en que a su calidad y amplitud, se agrega el componente de la amenidad.
Debo pues, reconocer la proverbial deferencia de quien acompaña mis inquietudes periodísticas concediendo su precioso tiempo para ilustrarme en temas históricos y sociológicos.
Como he sostenido, el Café Tortoni, de Buenos Aires, es un espacio emblemático en el Río de Plata. Tiene el privilegio de desafiar el tiempo. Vive y se proyecta.
El Polo Bamba y el Tupí Nambá -como otros- del Uruguay y, en especial, de Montevideo, cayeron. Dejaron, sin embargo, estelas perdurables.
Cuando en la Facultad de Derecho se fundara la cátedra de sociología, fue el Prof. Dr. Isaac Ganón quien reivindicó el papel gregario de estos establecimientos.
Sin duda es Aníbal Barrios Pintos, quien con la friolera de unas 50 obras publicadas sobre los pueblos orientales, sus costumbres, sus gentes y su historia, ha hecho los aportes más firmes y eruditos en la materia.

LAS PULPERÍAS Y UN RELATO DE CARLOS DARWIN

En una monografía que le fuera publicada, por la Editorial Acción S.A., en agosto de 1973, el académico se retrotrae a las pulperías, para hablar luego, con absoluta propiedad, del surgimiento de los cafés. Indica que ellas están el origen de los comercios de campaña, de los almacenes y de los bares de los barrios.

En 1832 Carlos Darwin arribó a Uruguay a bordo del Beagle. En tierra firme visitó localidades de Soriano, Lavalleja y otras. De una pulpería de Minas, es este relato: “Pasamos la noche en una pulpería o tienda de bebidas. Un gran número de gauchos acude allí por la noche a beber licores espirituosos y fumar. Su apariencia es chocante: son por lo regular altos y guapos, pero tienen impreso en su rostro todos los signos de la altivez y del desenfreno; usan a menudo el bigote y el pelo muy largos y éste formando bucles sobre la espalda. Sus trajes de brillantes colores, sus formidables espuelas sonando en sus talones, sus facones colocados en la faja a guisa de dagas, facones de los que hacen uso con gran frecuencia, dándoles un aspecto por completo diferente del que podría hacer suponer su nombre de gauchos o campesinos. Son en extremo corteses; nunca beben una copa sin invitaros a que los acompañéis, pero, tanto os hacen un gracioso saludo, como puede decirse que se hallan dispuestos a acuchillaros, si se presentara la ocasión.”

Señala Barrios Pintos que las pulperías ampliaron inorgánicamente las poblaciones circundantes. Sirvieron de posta de diligencias, de posada y de rudimentarios clubes sociales. Se jugaba a la taba y al sapo; fueron ámbitos para las riñas de gallos, y -hacia el norte- lugares para carreras de gatos, descriptas por el escritor Enrique Amorim.

HACIA EL POLO BAMBA

Según la guía Montevideo, de Horne & Wonner, publicada en 1859, los cafés existentes llegaban a 28. Datos de 1876, cuando adviene el dictador Latorre, indican que Montevideo poseía menos de 115.000 habitantes. El primer café y restaurante de lujo fue El Oriente, surgido, precisamente, en ese año.

La aparición del Polo Bamba aguardaría unos años más. Surgió el 25 de julio de 1885, ubicándose en la calle Colonia y Ciudadela. Lo fundó Francisco San Román. Había nacido en el Valle Minor, el 1º de marzo de 1861. Llegó al Uruguay con 11 años, trasladándose después a Santa Catarina (Brasil), donde se desempeñó en una hacienda exportadora de café. Del emprendimiento participaría también su hermano, Severino San Román.

Una nota aparecida en la Tribuna Popular, de fecha 13 de marzo de 1886, ensaya una explicación del nombre Polo Bamba, citada por Barrios Pintos, aunque no admitida o confirmada. Tiene, sin embargo, un valor de aproximación. La transcribo:“Tal vez suponiendo San Román que el valor, la fuerza y robustez proverbial de los indios Polo-Bamba, dimanaba del uso que hacían del café, mucho antes de ser conocido en Europa, habrá querido levantar un monumento a la memoria de aquellos valerosos indios, o decirnos a los aficionados del café: -Sepan Uds. que llegué a descubrir el secreto o procedimiento que empleaban los Bambas para la torrefacción del café y, por consiguiente, sólo aquí podrán tomar tan delicioso licor, con todas las maravillosas virtudes terapéuticas que contiene.”

CENÁCULO DE INTELECTUALES Y POLÍTICOS

Alberto Zum Felde, quien analizó, desde el punto de vista de las ciencias sociales, la significación del Polo Bamba, lo caracterizó como un “café literario”, que configuraría un “fenómeno nuevo de nuestro ambiente”, aunque “posterior al iniciado en Buenos Aires, al estilo de los más famosos de París”.

La lista de contertulios, según investigara Aníbal Barrios Pintos, se integró, entre otras, con personalidades de este porte: Florencio Sánchez, Horacio Quiroga, Armando Vasseur, Roberto de las Carreras, Ernesto Herrera, Emilio Frugoni, Alberto Zum Felde, Ángel Falco, Leonelo Lasso de la Vega, Paul Minelli, Alberto Lasplaces, Ovidio Fernández Ríos, Carlos María Vallejo, Natalio Botana, Edmundo Bianchi, José G. Antuña, Medina Bentancort, César Mayo Gutiérrez. No faltan crónicas que agregan más nombres: Batlle y Ordóñez, Manini Ríos, Lagarmilla, Pérez Olave, Schinca, Agorio, Arturo P. Visca, Carlos Balsán.
Las mesas del Polo Bamba fueron frecuentadas por la anarquista española Juana Ruoco Buela. Ella recuerda la presencia de Adrián Troitiño y del librero Orsini Bertani, cuyo comercio fue, asimismo, tertulia literaria.
El 8 de octubre de 1913, El Día daba cuenta en una crónica: “Anteayer cerró sus puertas el Polo Bamba y pronto la piqueta de los demoledores echará por tierra las paredes de la casa que uno tomó como familiar refugio de la bohemia.”

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CAFÉS DE DOS ORILLAS (I) - EL TORTONI

2008-04-19T04:54:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

UN CIUDADANO RIOPLATENSE

Mi distinguido amigo, el Dr. Carlos Perrotta, en medio del ajetreo de sus actividades profesionales en el foro bonaerense, me hace partícipe, en forma sistemática, de sucesos que se enlazan a la humanística y, en particular, a cuestiones atinentes a dos pasiones bien rioplatenses: Carlos Gardel y el tango.
Con motivo de los 150 años del Café Tortoni, símbolo de la Buenos Aires eterna, me ha hecho conocer el amplio programa de festejos que ha puesto en marcha la Comisión de Amigos del Café.
Él y yo hemos tenido el privilegio de vadear buena parte del siglo XX y nos sentimos muy unidos por la fraternidad que nuestros pueblos gestaron. Somos una porción de una sensibilidad común, la que nos identifica, nos honra y nos hace felices.

PEQUEÑO VIAJE A SU HISTORIA

Los destellos que emitieron los Tupí Nambá y los Sorocabanas uruguayos fueron absorbidos por el tiempo, por lo que de ellos subsisten las imágenes de una memoria, por cierto riquísima. El Tortoni porteño, en cambio, alardea contra los años, como dotado de una juvenil virtud.
Es muy argentino y, a la vez, uruguayo y cosmopolita. Tiene algo que se anuda como en una patria. Es dulce. A todos acoge y a todos iguala.

Fue fundado por el francés Jean Touan. Buenos Aires estrenaba su alegría de aldea abierta al trabajo transformador y a la inmigración. La Avenida de Mayo no era el surco edilicio en que se convertiría, aunque poseía el secreto de sus alardes arquitectónicos. El subte aún esperaba para adelantarse a los medios de transporte existentes.
El Tortoni platense debía ser una réplica de su homónimo parisino. Un café selecto, con vocación para atraer a espíritus creadores y a forjadores de ideas. De muchas ruedas abiertas a la sociabilidad y al debate sin término.
Primero se ubicó en la intersección de Esmeralda con Rivadavia. En 1880 se cambió para estar a unos metros de aquella dirección. Ahora sus dueños eran los esposos vascos Curuchet-Artcanthurry.
Al surgir la Av. De Mayo, un arquitecto belga delineó su sofisticado perfil. Finas maderas lustradas cubrían sus paredes y cortinados embellecían sus confortables ambientes.

LAS VOCES QUE VUELVEN

Hoy sus antiguos muros sostienen cuadros con fotografías, artículos de prensa y testimonios de personajes insignes.
Junto a los artistas, escritores, periodistas, profesores y profesionales que animan sus tertulias y a los visitantes, que desean vivir un momento de su encanto, por el Tortoni actual deambulan otras abigarradas voces.
La de Carlos Gardel, homenajeando con su canto entero a Juan de Dios Filiberto, el metalúrgico libertario que tiñó con nostalgiosas notas Quejas de bandoneón.

Surca ese espacio la de Jorge Luis Borges, repitiendo:

Yo habré muerto y seguirás / orillando nuestra vida. / Buenos Aires no te olvida, / tango que fuiste y serás.

Desde los astilleros, del puerto y los talleres, el viento dibuja en el cielo del café las imágenes de Benito Quinquela Martín y, como viniendo del Barrio 11, Raúl González Tuñón deja sobre una mesa unos versos sencillos: La Libertad es / simplemente / la Libertad / Ella se alimenta de / muertos. / Los Héroes cayeron por / Ella. / Sin angustia no hay / Libertad, / sin alegría tampoco.

Baldomero Fernández Moreno asciende desde la Bodega del bar del brazo con Alfonsina Storni y Eladia Blázquez. Ésta y Héctor Negro, habían escrito en Viejo Tortoni: ...Azul recalada, si el fuego es el mismo, / ¿quién dijo que acaso no sirve soñar?

¡Salud, café de la cultura y baluarte del pensamiento independiente, donde se recrean la amistad y las más puras emociones!

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EL TANGO EN EL GRAMMY LATINO

2007-12-22T10:47:00.000-08:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Cosa rara. Cuando se discernió el último Grammy Latino al mejor disco de tango, el director no estaba en la ceremonia.
El uruguayo Raúl Jaurena, bandoneonista y conductor orquestal, ha vivido veinte años en el Isla Margarita (Venezuela) y otros veinte en los Estados Unidos. Hoy reside a pocos minutos de Manhattan.
¿Dónde estaba el músico mientras centelleaba su nombre en la ceremonia musical en que se reconocía la calidad de sus trabajos?
Lejos. Tan lejos, como tan cerca nuestro: en Montevideo.
Es que Raúl Jaurena tiene la responsabilidad de llevar adelante el proyecto en marcha de una orquesta profesional juvenil de tango. Estaba a punto de exhibirla en la Sala Zitarrosa.

Pero, vayamos por partes.
No hace mucho Jaurena, junto con el quinteto Sinopus, montaron un exitoso espectáculo denominado Te amo tango. El grupo, integrado por Lya Pérez y Alejandra Moreira en violines, Stella Maris González en viola, Lucrecia Basaldúa en violoncello y Sergio Mouro en contrabajo, obtuvo suceso. El piano lo había ejecutado Octavio Brunetti, en tanto la vocalización fue realizada por Marga Mitchell, venezolana, esposa del director.
A modo de recuerdo, en el teatro y con apenas tres micrófonos, se registraron varios temas.

En algún momento, la cinta fue escuchada en los estudios de la productora Soundbrush Records, la que lanzó un campacto con 14 títulos.
De ahí al Grammy hubo un trecho. Lo cierto fue que el trabajo impactó y triunfó.
En oportunidades anteriores el bandoneonista Raúl Jaurena había estado nominado para el título, apareciendo como una personalidad destacada del mundo musical.
El reconocimiento internacional se produjo en la instancia en que el director se aprestaba en Montevideo a exhibir la orquesta Destaoriya, auspiciada por la Fundación Cienarte. Se trata de una formación estrictamente juvenil y tanguera.

En un reportaje, concedido al periodista Fernando Manfredi, entre otras cosas, señalaba Jaurena: “los muchachos que integran la orquesta están becados con remuneración”. Para el director importa mucho la noción que no se es sólo profesional por el hecho de actuar regido por un arancel. “Lo que importa -ha dicho- es el comportamiento, que la labor sea de calidad y se demuestre respeto al público.”
Ha agregado, asimismo, que “el tango no es patromonio sólo del bandoneón, del violín o del piano. Si tocas bien el fagot, el corno o el trombón ¿por qué no puedes tocar el tango? Si se aprende el estilo, ya está.” Por esta razón, añade, “la orquesta juvenil se maneja con un criterio abierto, también en lo instrumental”.
A propósito, el núcleo Destaoriya reúne tres bandoneones, tres violines, bajo, piano, fagot, clarinete y xilofón. Los miembros tienen edades que oscilan entre los 16 y 20 años.
En cuando a la razón del éxito alcanzado, el bandoneonista uruguayo recuerda cuál es la clave: “A la música hay que meterla dentro de uno, procesarla y darla. Es cariño y amor. A veces, las cosas sentidas son las más importantes.”
Volviendo al Grammy Latino, Raúl Jaurena señala que el premio es el resultado de muchos años de trabajo severo, en un medio muy competitivo como el norteamericano. “Hemos logrado que reconozcan al tango. No es un tango sofisticado, ni “for export” y a ellos les gusta así. Mi señora lo canta en español y realiza algunos en inglés. Y los tipos se cautivan. De hecho, en la ciudad de Nueva York, hay milongas todas las noches, en distintos puntos. Allí los estadounidenses van y bailan el tango.”
Parecería que el embrujo que sembrara Carlos Gardel, en la década del 30 del siglo XX, floreció en el corazón de la gran urbe.

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PIAZZOLLA ESCRIBE SOBRE GARDEL

2007-11-05T09:31:00.000-08:00

Selección por Walter Ernesto Celina

INTRODUCCIÓN

Examinando unos archivos gardelianos que me aportara el distinguido historiador Aníbal Barrios Pintos, he tenido oportunidad de releer una página publicada en el diario “El Día” de Montevideo, del 24 de junio de 1984.
El periodista Nelson Domínguez, “Guruyense”, evoca la personalidad de Gardel con motivo del aniversario de su muerte. Allí se destaca una bella caricatura de “El Mago”, perteneciente a Hogue, y la carta a Gardel, escrita en 1978, en Buenos Aires, por el célebre músico argentino Astor Piazzolla.
Se trata de dos figuras máximas de la música rioplatense. Indiscutido Gardel; celebrado Piazzolla por doquier, en mérito a la riqueza de su música única. En su origen y en un instante resonante de su evolución, ambos son artífices -con generaciones de notables músicos e intérpretes- de la prestancia universal del tango.

Astor Pantaleón Piazzolla había nacido en la ciudad portuaria del Mar del Plata, el 11 de marzo de 1921. Fallece 4 de julio de 1992, a raíz de una trombosis cerebral que lo afectara desde agosto de 1990.
Vive en Nueva York desde 1924 a 1937. Su padre, inmigrante italiano, ejercía el oficio de peluquero en Manhatan.
Inicia estudios de bandoneón con un instrumento que le regalara su progenitor. Acude a clases de piano impartidas por Serguei Rachmaninov.

Con Carlos Gardel, en Nueva York, aparece como el canillita, en el filme “El día que me quieras”.
En 1937, de retorno en Argentina, desenvuelve su carrera de bandoneonista. Se incorpora a la orquesta de Aníbal Troilo. En 1940 estudia con Alberto Ginastera. En 1946 forma su propia agrupación, donde actuará Francisco Florentino.
Levanta su bandoneón como un instrumento de corte clásico. Empieza a ser distinguido. En 1950, en Estados Unidos, es galardonada su “Sinfonía porteña”. Accede en Francia, en 1952, al 1er. Premio de Composición, lo que le vale una beca de perfeccionamiento con la célebre Nadia Boulanger. En 1953 la “Sinfonía de Buenos Aires” alcanza el premio Fabián Sevitsky. En el 54 la Asociación de Críticos Musicales de Buenos Aires distingue su composición “Sinfonietta”.
Conforma el “Octeto Buenos Aires” y la “Orquesta de cuerdas”.
En 1963 recibe el “Premio Hirsch”. Paul Klecki dirigirá sus “Tres movimientos sinfónicos”.
De 1965 es su trabajo con Jorge Luis Borges. Musicaliza varios poemas, los que serán cantados por Edmundo Rivero.
Con el uruguayo Horacio Arturo Ferrer compartirán la autoría de “María de Buenos Aires”. Sobrevendrá, en 1969 el éxito mundial de “Balada para un loco”.
Diversas creaciones jalonan el período en que compone “Tangazo”, “Tango seis”, “Milonga en re”.
Desde 1971, con su “Conjunto nueve”, abre un período de exitosas giras. El reconocimiento mundial se hará imparable.
En 1989 la publicación jacística “Dwon Beat” coloca a Astor Piazzolla como uno de los instrumentistas mayores del orbe.
En 1993, en "Los Ángeles”, es nominado por los Grammy Awards 1992 por “Oblivion”, en la categoría mejor composición instrumental.
Para entonces, el maestro era una sorprendente estrella en el cosmos del tango y del arte musical.

PIAZZOLLA MANO A MANO CON GARDEL

Buenos Aires, año 1978.
Querido Charlie:
Quizá llamándote Charlie te acordarás del pibe de 13 años que vivía en Nueva York, que era argentino y tocaba el bandoneón. Además trabajó de canillita en “El día que me quieras”.
Te puse Charlie cuando me preguntaste, en tu casa, cómo se decía Carlitos en inglés.
¿Te acordás cuando te llevé un muñeco de madera que había tallado mi viejo? Esa mañana me dedicaste dos fotos. Una para Vicente Piazzolla y la otra para el “simpático pibe y futuro gran bandoneonista”.

De 1934 a hoy, 1978, pasaron 44 años y realmente no te fallé.
¿Te acordás cuando me llevabas a tus filmaciones en los Estudios Paramount, de Long Island; (en) febrero de 1934, la peor nevada del año, dos metros de alto y 10° bajo cero, y yo, tu traductor de piropos a las pibas que te querían conocer?
Nunca me olvidaré las dos bicicletas que agarramos con Tito Lusiardo y rompimos tratando de entrar en calor.
Por las tardes solía acompañarte a que te compraras ropa en las grandes tiendas de Nueva York. Recorrimos Saks, Macy’s, Florsheim y, al fin, compraste tus dichosas camisas con rayas verticales y horizontales. Docenas de ellas, zapatos de charol, borsalinos, etcétera, como si te sobrara la guita.
Te mostré toda mi ciudad (estaba orgulloso de saber tanto, también... hacía 11 años que vivía allí), sobre todo mi barrio, Greenwich Village a donde te llevaba a conocer las mejores cantinas italianas, y vos, con problemas de busarda te cuidabas, sin contar la vez que vinistes a casa donde probastes los ravioles de la nonina Asunta, además de un final de buñuelos de membrillo. ¡Cómo te gustaba comer bien!
Jamás olvidaré la noche que ofrecistes un asado al terminar la filmación de “El día que me quieras”. Fue en honor de los argentinos y uruguayos que vivían en Nueva York.
Recuerdo que Alberto Castellano debía tocar el piano y yo el bandoneón, por supuesto para acompañarte a vos cantando. Tuve la loca suerte de que el piano era tan malo que tuve que tocar yo solo y vos cantaste los temas del filme. ¡Qué noche Charlie! Allí fue mi bautismo con el tango. ¡Primer tango de mi vida y acompañando a Gardel! Jamás lo olvidaré.
Al poco tiempo te fuiste con Le Pera y tus guitarristas a Hollywood.
¿Te acordás que me mandastes dos telegramas para que me uniera a Uds. con mi bandoneón?
Era la primavera del ’35 y yo cumplía 14 años. Los viejos no me dieron permiso y el sindicato tampoco. Charlie, ¡me salvé! En vez de tocar el bandoneón estaría tocando el arpa.
Comienza una nueva época en mi vida. Volvemos a Mar del Plata en el ’36. Me agarra el flechazo de la música y estudio locamente el fuelle. Mi bandoneón y yo nos vamos a Buenos Aires y debuto con Aníbal Troilo.
¿Sabes quién era Troilo? El era vos tocando el bandoneón. Es como decir: tu continuador.
Estábamos en 1939 y hacía cuatro años que eras Dios. Tus filmes y discos subieron desesperadamente. Y, ahora, los giles descubren que cantabas bien. Se acuerdan de aquel momento en que preferían escuchar a otros cantores. Tu teatro estaba vacío. Tu ida a Europa fue premonitoria y tus presentaciones son cada vez más importantes. Después USA, tus filmes, Hollywood, Centroamérica y Medellín, el fin de la ruta.
¿Sabés una cosa? A mi tampoco me gusta el avión, menos esa catramina que tomastes vos. Pero..., después de tu ausencia, comienzan a aparecer los nuevos personajes de Buenos Aires.
Charlie... le arruinastes la vida a los cantores, esos que solían decir “menos mal que se fue Gardel y hay más laburo para nosotros” , y otros contestaban: “guarda muchachos, que quedan los discos”.
Aprovechando este momento aparece la nueva clase social: “las viudas de Gardel”, personajes que compraban o tenían tus discos. Automáticamente se hacían locutores radio y “críticos”, además todos decían que eran amigos tuyos y nunca te habían visto en la vida. Esta gente, que tiene su plan formado en toda la Argentina, Uruguay, Colombia, Venezuela y muchos países más hace 45 años que viven gracias a vos.
Pero allí no termina la cosa. Después de 1936 nacen los Gardelianos, Gardelones, Gardelitos o Gardeluchos.
Son unos bichos raros que usan tu sonrisa, tus mismas pilchas, tu misma manera de andar y hablar, pero lo que no pueden hacer es cantar como vos.
Charlie, sé que te estarás muriendo de risa; no es para menos. Te puedo decir que la mayoría de los cantores quisieron ser Gardel y Gardel fue de todos.
Aquí se ha corrido la bola que tus discos ensayan de noche, por eso cada día cantas mejor.
Te cuento una linda, Charlie. Ciertos profesores de canto del Teatro Colón, hacen escuchar tus discos como modelo de canto. Y estoy seguro que siempre estarás mirándonos desde arriba y pensarás que te hubiera gustado cantar los grandes tangos del ’40. Además, yo hubiera escrito para vos y te hubiera hecho los arreglos y tocado el bandoneón.
Matamos, Charlie. Lo único que no quisiera emplear en la orquesta es el arpa. Allá tendrás una colección de todos los colores.
Vos que conocés a los ángeles ¿por qué no les pedís que cambien el sistema y metan algún bandoneón en la orquesta? Mirá que está el gordo Pichuco, Maffia, Laurenz. Me estoy entusiasmando demasiado y prefiero esperar un poco para ser yo quien organice la orquesta.
Me voy a trabajar, o sea, como hoy se dice, “tengo un recital”. Voy a pensar en el pibe Piazzolla cuando vos le dijistes “ahora poné la música de “Arrabal amargo” y dale con todo”.
Era la primavera del ’35 y había nacido el dúo Gardel-Piazzolla.
Soy un tipo de suerte.
Algún día nos encontraremos en el último piso. Esperame, pero... no te mueras nunca.
Tu amigo,

--------------------ASTOR PIAZZOLLA

waltercelina1@hotmail.com

ESTRÁZULAS: TANGO Y LITERATURA

2007-08-12T05:30:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Acaba de divulgarse el reportaje que el escritor y periodista Rafael Courtoisie le efectuara a su homónimo y diplomático Enrique Estrázulas. (1)
El interés de la nota surge por la doble pasión que conjuga Estrázulas por el tango y la literatura.
La entrevista de referencia engarza menciones significativas que van desde Gardel a Troilo y desde Borges a Onetti.

TROILO ME SUBIÓ AL ESCENARIO

Abriendo el diálogo, Courtoisie entra en materia, con una pregunta directa:

-Periodista (P.): Hay datos fidedignos acerca de que la literatura secuestró al cantor de tangos. ¿Es cierto que Aníbal Troilo lo quería como primera voz para su orquesta?

-Enrique Estrázulas (E.E.): En mi caso la literatura caminó paralelamente con la música ya que el tango es, en su mayoría, poesía. Así me lo hizo sentir Gardel. En cuanto a la anécdota de Troilo, es verídica. No me quería como “primera voz”; quería que me integrara. Yo canté una madrugada con su orquesta suplantando a Jorge Casal y también probaron a un violinista. Fue un ensayo, casi al alba, en el Marabú. Él me oyó cantar en la mesa algunos acordes y me subió al escenario. Era un superdotado. Me obligó a cantar “El Patio de la Morocha”. Yo tenía 18 años, estaba nervioso y me quería bajar. Entonces me calmó, me hizo cantar el tango uruguayo “Vieja Viola” y varios más. Cuando el ensayo terminó me dijo en una mesa, al oído: “Mirá, pibe: vos tenés que estudiar seis meses. Con la sensibilidad que tenés vas a llegar muy lejos...”
Mi padre se enteró y me fue a buscar a Buenos Aires. Yo ya me sentía el cantor de los cantores. Y volví a Montevideo a trabajar, a escribir, a extrañar a mi novia argentina. Después el berretín se me voló. Eso fue todo.

-P.: Pero un aire tanguero permanece en la música de sus cuentos, de sus novelas y, por supuesto, en su poesía.

-E.E.: Sí, es así, es inevitable para mí. Yo reconozco ese aire en ciertos poemas, en algunos relatos. Debe ser el cantor de tangos que todavía pugna por vivir.
BORGES UN “ESCRITOR PERFECTO”

-P.: Ud. Reivindicó el magisterio de Borges, pero en su obra no se encuentran notorios ecos borgeanos. Más bien la reivindicación de Borges parece un homenaje. Sí, se encuentran en su obra, las enseñanzas de Rulfo y de Cortázar.

-E.E.: Es verdad. Yo admiro a Borges pero no lo veo en mi escritura más que vagamente. Yo viví la época en que todo el mundo lo negaba . Ahora están debajo de una piedra. Fue Onetti quien me dijo: “Si querés leer a un escritor perfecto, leé a Borges... Sus opiniones son juegos de enfant terrible. Hay que leerlo y punto.”
Admiro a Rulfo, Cortázar. Ignoro por dónde se me cuelan. Las influencias son chispazos que no vemos. Los conocí a los dos y releo principalmente a Juan Rulfo.

SOCIOLOGÍA Y POLÍTICA

-P.: Volviendo a Borges, ¿su obra de teatro “Entrevista secreta a Borges-Perón” fue también una suerte de ensayo para las tablas sobre sociología y política?

-E.E.: Ambos se odiaban. Nunca se conocieron. Pero yo creo, humanamente, en el “abrazo secreto” de los hombres. Por eso inventé esa visita de Perón a Borges. Se estrenó en Buenos Aires, en 1998, en el Teatro Cervantes, con algunos errores de dirección y un Duillo Marzio admirable en el papel de Borges. Yo me había enterado que en los contenedores de Perón llegaron algunos libros de Borges a Buenos Aires. Esto indicaría que Perón lo leyó. Es más: muchas opiniones autorizadas lo aseguran. También es seguro que Borges jamás leyó a Perón. En la obra hay algo de sociología y política, pero hay más humanismo recatado y de brasas que nunca se apagaron.

ONETTI, UN GARDELIANO

-P.: ¿Novela o cuento? ¿Qué prefiere?

-E.E.: Depende de la idea. Cuando nace la idea, nacen el género y la temática. No creo que el cuento sea una novela despojada de ripios. Son dos géneros claros. A mi me sorprende un cuento por el argumento, por un argumento. Cuando me llama una novela, me están llamando varios argumentos, varios juegos filosóficos, varios temas. El cuento es más seco, más contundente. No por eso es superior. Siempre depende de quien escriba, de algo misterioso que algunos llaman talento.

-P.: Y en “eso” misterioso ¿dónde queda la poesía?

-E.E: La poesía está implícita en la narrativa. Nunca abandoné la poesía. El poema es también un golpe emotivo, solitario, menos intelectual y, sin embargo, más inteligente. Cito la máxima de Antonio Machado: “El intelecto no cantó jamás; no es su misión.”

-P.: Con respecto a eso Ud. ha escrito “la inteligencia es un nido de ratas”.

-E:E.: Eso afirma un personaje de uno de mis cuentos, no necesariamente el autor.

-P.: ¿Es cierto que Juan Carlos Onetti lloró al escuchar por primera vez uno de sus poemas?

-E:E: Yo era un poeta inédito y le había llevado dos o tres poemas con mucho miedo. Onetti siempre estaba acostado. Me llamó Dolly y fui al living. Cuando volví Onetti me había robado la carpeta y leía los poemas. Efectivamente, me pareció que perdía alguna lágrima. Onetti era muy sensible a la poesía. Era, por otra parte, un gardeliano enfermizo, tan enfermizo como yo. Una vez sacó una pistola y me apuntó con esta advertencia: “Si no cantás el tango “No Placé” te vuelo la cabeza”. Tuve que cantar como pude.

LA ESCRITURA LÚCIDA

-P.: A propósito: Onetti, escritura y alcohol conforman una tríada legendaria. Hábleme de la relación alcohol-literatura.

-E.E.: El alcohol nunca me sirvió para escribir, me sirvió para olvidar lo que escribo. Sucede que, si escribía con alcohol, todo iba más tarde a la papelera. No creo que los grandes poetas alcohólicos hayan logrado alta poesía con alcohol. Pienso en Verlaine, Baudelaire, Rubén Darío. Ellos tal vez escribían lúcidos. Hay un gran mito sobre la literatura y el alcohol. A veces -rara vez- pudo ser verdad. Pero, en general, sospecho que no.

EN LA BOCA DEL IMPERIO

-P.: Algunos lectores y críticos atribuyeron su novela “Los manuscritos del caimán” a una peculiar visión de los últimos tiempos en Cuba. ¿Es una visión “fácil” o apresurada?

-E.E.: Existen muchos caimanes en el Caribe. Esa es una interpretación fácil. Me influyeron Cuba y su paisaje. El caimán, el dictador, es distinto a Fidel. Se trata de una sangrienta y cruel novela de amor, salpicada de poesía y algo teatral, también. Por otra parte, nunca se sabe cuándo serán los últimos tiempos de Cuba, de esta Cuba amarga con casi medio siglo en la boca del imperio.

LA CERRAZÓN HUMANA

-P.: ¿Qué está escribiendo ahora?

-E.E.: Acabo de terminar una novela, el “Enigma de Savoyarde” que, para divertirme, la llamo una parábola sobre el erotismo. Es una narración contada por una mujer. A esa novela le tengo un cariño particular: me costó mucho crearla. Después del libro de cuentos “La carrazón humana”, le dediqué más de un año. Y algunos dicen que escribir no da trabajo... deben ser geniales, pero nunca muestran ni una línea. Son, sin duda, los que nada escriben. Estoy escribiendo poesía, muy lentamente.

EL CULTO DE LA AMISTAD

El entrevistado aborda diversos tópicos, entre ellos, el culto de la amistad.

-P.: En parte de su obra, entre muchos otros temas, comparece la amistad como un valor inclaudicable. En la más reciente ficción latinoamericana que, entre otras cosas, se ocupa de la violencia, eso no es nada común. ¿Qué rol juega la amistad en su narrativa y en su vida?

-E.E.: La verdad es que la amistad es un valor inclaudicable y aparece muy poco en la nueva literatura latinoamericana. Y aún en la literatura del planeta entero. No, no es nada común la amistad como tema. Pensemos, sin posibilidad de error, que la amistad es mucho más fuerte que las coincidencias políticas. A veces creo que las discrepancias alimentan la amistad. El rol de la amistad en mi narrativa, es como un puente, como un llamado, como un pedido de auxilio o de piedad. En mi vida los amigos, las amigas y la soledad, pueblan un ámbito amable y, a la vez, extraño.

-P: ¿Lo extraño está en su vida?

-E.E.: Vivir es extraño.

(1): El País Cultural - N° 926 - Montevideo - 03.08.07

waltercelina1@hotmail.com

EL ALMA DE LAS CIUDADES

2007-07-26T04:05:00.000-07:00

Escribe Walter Ernesto Celina

Transitar por las calles de una ciudad supone ir al encuentro de su presente e, inevitablemente, de su pasado.
Hay lugares abiertos que convidan a entrar en su historia. Los cerrados habilitan el paso de los recuerdos. A veces, en unos, el tiempo ido parece juntarse con el que transcurre.
Todo esto acontece con los bares y cafés de Montevideo, puntos de sociabilidad de los barrios, donde se funde la vida ciudadana.
Por más de cincuenta años he visto las luces y oído las voces de estos locales y he escudriñado a su gente.
He percibido parte de sus alegrías y emociones y me he aproximado a sus escondidos secretos.
He estado en tertulias pletóricas de voces y escuchado la palabra de poetas, escritores, periodistas y cantantes. Conservo la resonancia de guitarras y bandoneones.

En el Montevideo de los años 50 los bares y cafés estaban institucionalizados en las esquinas de las avenidas en un fenómeno sorprendente, repetido en las calles importantes de los barrios en que se desgrana la urbe.
En aquellos ambientes amigables florecían los encuentros cotidianos, antes o después del trabajo, como un verdadero rito.

El paso del tiempo y los cambios experimentados por las ocupaciones fueron modificando las fisonomías. Los toques de modernidad los trasmutaron. Los hicieron algo diferentes y, de seguro, más confortables. Siempre dispuestos a los desafíos de la intimidad.

Algunos se fueron, irremisiblemente, como los “Palace”, “Antequera”, “Ópera”, “Chamadoira”, “Oriental”.

Otros, dieron el paso a nuevos tipos, aproximándose a casas de comida. Como siempre, muchos siguen tan campantes, en un alarde de resistencia a lo nuevo.

¿Cómo no recordar, en este fogonazo de la memoria, al “Gran Sportman”, en 18 de Julio y Tristán Narvaja, frente al edificio de la Universidad de la República?
Sus paredes albergan los murmullos de los estudiantes que, concluidas las clases, salíamos de las Facultades de Derecho o de Ciencias Económicas e íbamos a comentar temas de estudio, episodios de la vida universitaria, del acontecer político o, simplemente, tantas veces, para compartir el café de la amistad.

A no muchas cuadras de allí, frente al Hospital Pereira Rossell, en Bulevar Artigas y la actual Francisco Canaro, en un ambiente más recatado, solía encontrame con dos amigos entrañables: el Esc. Eugenio B. Cafaro y el Pr. Julio Alberto Salgado. Meditábamos sobre cuestiones de derecho llevados de la mano de Cafaro, quien ejercía en la facultad la cátedra en materia civil y, de paso, lo escuchábamos evacuar, muchas veces, consultas que le formulaban profesionales amigos.

Al llegar los meses de clima benigno no faltaban las invitaciones para trasladarnos desde las oficinas céntricas a la Aduana, para arribar al “Bar Roldós”, en el Mercado del Puerto.

Mercado del Puerto

Su servicio clásico era un vaso suave de “medio y medio (caña y vermut), que se acompañaba con unos sándwiches sabrosos. Sus mostradores acogen clientelas desde 1886.

En el Prado, en Av. Luis Alberto de Herrera y Cubo del Norte, permanece incólume la casona que alberga a “Los yuyos”, un bar en que la caña se cruza con sabores de pitangas, nísperos, uvas, arazá, aproximándose a un ciento de variedades. Su historia cabalga desde hace un siglo.

En el Mercado Central, detrás del Teatro Solís, en Ciudadela y Reconquista, fluye con toda su tradición a cuestas el “Bar Fun Fun”. Viejas fotografías tapizan sus paredes. Allí las evocaciones se encuentran con Carlos Gardel.

Un poco más hacia el corazón de la city, en Ituzaingó casi 25 de Mayo, impone su señorío el “Café Brasilero”. Se fundó en 1877, se renovó hacia 1920 y compitió con el memorable “Tupí Nambá” y otros de su condición. Tiene los trazos del Art Nouveau. Allí me supe reunir con entrañables amigos con los que, a la caída de la dictadura, participábamos en el proceso de democratización. Debían efectuarse las elecciones de 1984. A escasos metros estaba la sede de la Corte Electoral. Desde sus mesas programábamos entrevistas y acciones para asegurar garantías comiciales.

Tupí Nambá

De entre todos, en el Cordón Norte, el “Rey” perfila su rostro de bar y café tradicional. Permanece igual a sí mismo, con su mostrador de mármol de carrara y demás instalaciones de maderas nobles.
Por las mañanas, el aroma a café y el zumbido de la máquina a vapor impregnan el ambiente. Los desayunos se suceden. Al mediodía, una cocina familiar atiende a los vecinos habitués. Por las tardes y noches la tertulia es en torno al fútbol de televisión o la mesa de naipes.

La memoria de las ciudades tiene en los bares y cafés encerrada una buena porción de la historia de la que somos parte los ciudadanos.
Montevideo no es una excepción. A cualquiera de las versiones escritas, que reproducen tantos libros sobre el tema, pueden añadirse innúmeros relatos verbales.
Los bares y cafés se parecen a cofres. Desde ellos se desnuda el alma de las ciudades.

waltercelina1@hotmail.com

LA AMISTAD QUE NO CESA

2007-05-06T14:39:00.000-07:00

Nota 1

El notable danzarín argentino Juan Carlos Copes fue proclamado Visitante Ilustre de la Ciudad de Montevideo.

El título conferido le fue impuesto por el Intendente Municipal, Dr. Ricardo Erlich, en ceremonia efectuada en la Junta Departamental, a la que asistió, entre otras personalidades, el Embajador de la República Argentina, Sr. Hernán Patiño Mayer.

A continuación se toman del registro taquigráfico de la sesión extraordinaria del cuerpo deliberante capitalino, de 18/IV/2007, pasajes fragmentarios del acto que, como una trenza fraterna, unió a autoridades de ambas orillas del Plata.

Sr. Presidente (Pablo Ferrer):
Bienvenidos Sr. Intendente Municipal de Montevideo, Dr. Ricardo Erlich, y Sr. Embajador de la República Argentina, Don Hernán Patiño Mayer.
Bienvenidos, también, Sr. Diputado Nacional de la República Argentina, por la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Don Luis Galvalisi, y Sr. Diputado de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Don Marcelo Godoy.
Igualmente, tenemos el gusto de dar la bienvenida a la familia de Gerardo Matos Rodríguez: a la sobrina nieta, Sra. Rosario Infantozzi, y a la sobrina, Sra. Olga Durán Matos.
Y, muy particularmente, queremos saludar al Sr. Juan Carlos Copes, el milonguero argentino a quien tendremos el gusto de que aquí, en nuestra Casa, a iniciativa de la Junta Departamental, el Sr. Intendente Municipal de Montevideo lo distinga declarándolo Visitante Ilustre de la Ciudad de Montevideo.
Saludamos, asimismo, a quienes nos visitan y engalanan con su presencia esta Casa: la cantante María José Mentana, público en general y amigos de la prensa.
En lo que hace a la Junta, la tarde de hoy corona, en cierta forma, tres actividades, que llevamos a cabo en forma consecutiva. En primer lugar, tendremos la distinción al Sr. Juan Carlos Copes, con la declaración de Visitante Ilustre de la Ciudad. Posteriormente, se llevará a cabo el acto de homenaje a la “La Cumparsita”, en su 90° aniversarfio y, tras ello, será inaugurada la exposición alusiva, que se realiza en la hemeroteca de la Junta.
Estamos muy contentos de contar con la presencia de Uds.

Damos la palabra al Sr. Intendente Municipal de Montevideo.
Sr. Intendente Municipal (Dr. Ricardo Erlich):
En primer lugar, para nosotros esta resolución, este gesto, esta iniciativa de la Junta Departamental de distinguir al Sr. Juan Carlos Copes, es de gran significación. Se enmarca en algo a lo cual me quiero referir muy brevemente.
Creo que esta semana, en estos días tan particulares en que conmemoramos los 90 años de “La Cumparsita”, la Junta Departamental ha asumido con gran energía una serie de iniciativas, en el ámbito cultural, que entiendo son de particular relevancia.
Estamos en un período -que compartimos con la sociedad argentina- en el cual nos hemos abocado a entretejer nuevamente el entramado social, a reconstruir sociedad, y eso lleva mucho tiempo. Somos sociedades que hemos perdido generaciones enteras, que han tenido sangrías, en períodos dintintos, por situaciones muy diversas y vientos difíciles que han soplado en ambos lados del Río de la Plata.
Dentro de la cultura hay algunas expresiones, algunas manifestaciones que constituyen referentes para todos, referentes que compartimos no sólo -diría yo- en forma transectorial dentro de la sociedad, sino también transgeneracional. Y esos referentes son una gran herramienta para recontruir, para volver a entretejer esos lazos de la sociedad.
Creo que lo que esta Junta ha decidido para el día de hoy, esta distinción al Sr. Juan Carlos Copes, no sólo honra esa trayectoria que trasciende fronteras y que es patrimonio de las dos orillas, sino que tiene también algo de singular, que es el hecho de reconocer a un hombre de la danza; eso es muy particular. Nos damos entonces cuenta de la fuerza, del alcance que pueden tener gestos, movimientos que llegan a transmitir emociones, sensaciones, sentimientos, belleza.
Señalo que tener entre nosotros al Sr. Juan Carlos Copes y, ser quien habla el Intendente que le entregará, en nombre de las montevideanas y los montevideanos, la distinción de Visitante Ilustre, es un real honor.
Vamos a concederle ahora la medalla al homenajeado.
(Así se efectúa. Aplausos.)

Sr. Presidente (Pablo Ferrer):
En nombre de la Junta Departamental vamos a hacerle, también, entrega de una bandeja de plata, recordatoria de esta alegre jornada.
(Así se efectúa. Aplausos.)

Antes de dar la palabra al Maestro Juan Carlos Copes, deseo salvar dos omisiones: hacer llegar nuestro saludo y nuestra bienvenida al cantante Francisco Falco -que nos acompañará más adelante- y, en particular, a la Sra. Johana Copes, hija de Juan Carlos, y a su pareja de baile, quienes en el día de ayer, en el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, nos deleiteron con su arte.
(Aplausos)

Le damos la palabra al Maestro Juan Carlos Copes.

Sr. Copes:
¡No es fácil! No es fácil una situación como la presente. Todo lo que dijo el Sr. Intendente, lo que está manifestando la Junta Departamental de Montevideo a través de los dintintos protagonistas que la conforman, todo esto que me están haciendo a mí, en vida, normalmente se hace a los muertos.
Tengo que decir que, gracias a dios, en mis 60 años de tango, este es el halago mayor o el premio mayor que he recibido; más importante, aún, que el Oscar a la mejor coreografía por la película “Tango”.
Más importante que todo eso, es esto: un pueblo que está reconociendo el trabajo -a veces bueno, a veces regular y a veces malo- de un perseverante. Se suponía que yo sería un ingeniero electrónico. Me recibí de electrotécnico y, en determinado momento, en la Facultad tuve que decidir: o tango o ingeniero. Y elegí tango. Y no me arrepiento...
(Aplausos de pie)

(Entrega de obsequios de los Sres. Diputados de Argentina al Sr. Intendente. Aplausos.)

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Nota 2

Las autoridades municipales de Montevideo celebraron los 90 años de “La Cumparsita”.
Lo hicieron abriendo de par en par las puertas del parlamento capitalino y recibieron con un gran abrazo a familiares de Gerardo Matos Rodríguez, así como a autoridades y artistas argentinos.

Es que el tango y “La Cumparsita” -que es himno común en el Plata-, van de la mano, como nuestros pueblos.

Una exposición fotográfica sobre el autor de la inmortal composición y la distinción conferida al Maestro Juan Carlos Copes, declarado Visitante Ilustre de la ciudad, dieron relieve a la conmemoración.

En el curso de la sesión extraordinaria del deliberante, cumplida en la tarde del 18/IV/2007, además de los discursos del Presidente de la Junta Departamental, del Intendente Municipal y del invitado de honor, Sr. Copes, pronunciaron alocuciones varios Ediles.

He aquí un extracto de tales expresiones:

Edil Presidente Pablo Ferrer
Esta celebración que conmemora los 90 años de “La Cumparsita” coincide con la declaración de Hermandad Rioplatense -que por decreto aprobara esta Junta a fines del año pasado-, por lo que a nosotros nos parece más que grato el contexto del evento.
Nos parece grato tanto por la presencia de hermanos argentinos -en particular en el día de hoy- y por las actividades que habrá a lo largo de la semana, como por la articulación alcanzada por diversos organismos públicos, organizaciones sociales y empresas que han aportado su grano de arena para que esta actividad pudiera salir adelante.

Edil Marcelo Carrasco
Quiero agradecer la presencia de la delegación argentina. Del Diputado Nacional, Sr. Luis Galvalisi, que fue el impulsor para que el Gobierno Nacional Argentino declarara de interés nacional esta actividad de los 90 años de “La Cumparsita” y, también, del Diputado Sr. Marcelo Godoy.
Del mismo modo, quiero agradecer al Sr. Embajador, a la Cancillería Argentina y a la Sra. Ministra de Cultura del Gobierno de Buenos Aires, Doña Silvia Fajre, quien de parte de su gobierno nos obsequia la presencia de la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires, con la cual nos vamos a deleitar el jueves. Va a tocar donde, por primera vez se oyó a “La Cumparsita”, lugar en el que hoy está emplazado el Palaco “Salvo”. Es un regalo de Buenos Aires a los montevideanos. Contaremos allí con la cantante Malena Muyala.
“La Cumparsita”, tal como la conocemos hoy, adquirió su popularidad y su posterior consagración a parftir de la grabación que hiciese el Maestro Carlos Gardel en 1927, con el famoso acompañamiento de las guitarras de Barbieri y Ricardo.
No debe de haber un solo habitante de Uruguay o de Argentina que no se emocione al oir los compases de “La Cumparsita” y sus inmortales versos, los que viven alojados en nuestros corazones.

Edil Fernando Ripoll
Mañana vamos a conmemorar los 90 años de la gran obra con un magnífico espectáculo. Estará la Orquesta de la Ciudad de Buenos Aires con el Director Ruben Garello; la cantante Malena Muyala; el Profesor Juan Carlos Copes -verdadero profesor de danza-; Johana Copes -su hija-, quien demuestra que las nuevas generaciones siguen estando en el tango, y Federico García y Laura Legascue, una de las mejotres parejas de bailarines de tango del mundo. Los vi haciendo su coreografía en la Cumbre Mundial del Tango y quienes allí representábamos a Uruguay, nos sentimos orgullosos.
Deseo agradecer al amigo argentino, Sr. Diego Rivarolla -que se encuentra entre nosotros-, quien trabaja muchísimo por el tango y es uno de los coordinarores de la Cumbre. Cabe, asimismo, el agradeciemiento para María José Mentana, quien nos deleitera en la Sala “Zitarrosa” con un gran espectáculo, en un merecido homenaje a la Sra. Olga Delgrossi, “la Dama del Tango”, junto con Maia Castro, una cantante uruguaya.
Sr. Embajador: En Juan Carlos Copes homenajeamos no sólo al artista, sino al pueblo argentino.

Edil Gustavo Osta
Para nosotros, por lo que hemos visto y por las referencias de personas que conocen su trayectoria, que la han seguido y la valoran, nos alcanza decir: ¡chapeau para el Sr. Copes!

Edil Dari Mendiondo
Realmente esta es una ocasión memorable. La celebración de los 90 años de “La Cumparsita”, unida a la declaración de Visitante Ilustre del Sr. Juan Carlos Copes, es algo que dignifica a los convocados y a los convocantes. En este momento, más allá del acto cultural y del fenómeno histórico -ya que “La Cumparsita” representa a dos siglos, el XX en que nace y el XXI en que transcurre-, simboliza la búsqueda permanente con el fin de seguir fortaleciendo los lazos fraternos que nos unen con el hermano pueblo argentino que, pasado el tiempo, se registrará en la historia como el que en mayo de 1810 supo marcar un hito, para todo el continente latinoamericano, al seguir los caminos de la América del Norte de 1776.
En mayo hubo un grito de libertad que nos generó la posibilidad de ser países, naciones independientes, que hoy nos encuentra en la búsqueda de la Patria Grande. Ambos pueblos están unidos por un himno de libertad y por un himno de familia, de sangre, de idioma, de cultura y de música.
Y, como expresión mayor de esa música, tenemos el tango.
En esas conversaciones de boliche, en esas tertulias con gente que sabe mucho de tango, que ha leído a Jorge Luis borges y a otros autores que muchas veces han ilustrado a argentinos y uruguayos sobre el tema, alguien dijo: “Al tango “La Cumparsita” lo parió Uruguay; pero la madre es Argentina.”
Hay una simbiosis entre lo que es argentino y uruguayo.
En última instancia, la historia, los hechos, la vida, el río, demuestran que seguimos siendo lo mismo.

Edila Rosana Paredes
A todos los que nos acompañan, bienvenidos. Y este saludo lo expresamos especialmente en la persona del Sr. Juan Carlos Copes, que deleitó a los montevideanos con su talento, de quien también, en esta casa de los montevideanos y, cara a cara, apreciamos otra condición muy importante: su don de buena gente.

Edila Glenda Roldán
El tango forma parte intrínseca de la historia del Río de la Plata, de uruguayos y argentinos, de argentinos y uruguayos, más allá de las circunstancias históricas que nos toque vivir. Eso es algo, como muchas otras cosas, que nos coloca estrechamente unidos, como en el pasado artiguista lo fuimos.
¡Qué en cada uno de nosotros brille una “Cumparsita”, que nos hace uno solo!

waltercelina1@hotmail.com

ELADIA - POESÍA CON ANCLA URBANA

2007-04-24T12:00:00.000-07:00

Moriré en Buenos Aires, será de madrugada,
que es la hora en que mueren los que saben morir.
Balada para mi muerte. Horacio Ferrer(letra)
Astor Piazzolla (música)

Como en los orígenes del tango, las habaneras mecieron la cuna de Eladia Blázquez.
Le bastaron a la niña arrullos de acento andaluz, un piano de juguetería y las cuerdas de una guitarra de siete pesos para subir a los sueños y escenarios, desde el barrio laborioso de Avellaneda.

De la música que encendía la nostalgia española, giró para el ancho y vital folklore argentino y latinoamericano, portador del acento multicolor de nuestra geografía. Exploró, asimismo, el campo melódico. Intérprete vocal y autora de músicas y letras, maduró para un verbo con vocación de expresión clásica: el tango.

De sus letras dimana una sustancia lírica que levanta la admiración de los Manzi, Cátulo Castillo, de los Expósito, entregándonos la siempreviva perfumada que Discépolo hubiera querido dejar en sus versos.
Su talento confirió al tango un reverdecimiento literario y la posibilidad, a intérpretes de valía excepcional como Ruben Juárez o Susana Rinaldi y a orquestas del porte de la de Osvaldo Pugliese, de motorizar y acompañar instancias muy renovadoras.

Sólo queriendo de alma la música -que es uno de los medios de comunicación más maravillosos construidos por el hombre- pudo crecer el tango, un objeto amado, que funde y amalgama las raíces rioplatenses, expandiéndolas sin límites de fronteras. Esta forma musical original supo no abroquelarse y guardó su savia íntima. Por venas abiertas incorporó nuevos recursos. Así ganó en atributos desafiantes de belleza, nostalgia, dramatismo y sensualidad. De este saber tuvo cabal convicción Eladia Blázquez, siguiendo los pasos de otros preclaros constructores. Estos, habían indagado y abrevado en otras experiencias, para exaltar lo nuestro.

Sin duda, su personalidad restalla con letras imperecederas. En “Contame una historia”, de 1969, ella produce la música para el trabajo de Alfredo M. Iaquinandi, quien pide: “Contame una historia distinta de todas;/ un lindo balurdo que invite a soñar./ Quitame este olor a mufa de verme por dentro/ y este olor a muerte de mi soledad…” Anticipo de desventura, toda la composición guarda un encuadre premonitorio.

Eladia Blázquez no oculta su humanismo intenso, ni su compromiso ético cuando formula “Honrar la vida”.
En “Sueño de barrilete”, de 1960 -primer tango de la autora siguiendo el apunte siempre preciso del Maestro José Gobello-, aparece su veta discepoliana: “Desde chico yo tenía en el mirar/ esa loca fantasía de soñar,/ fue mi sueño de purrete/ ser igual que un barrilete/ que elevándose a las nubes/ con un viento de esperanza sube y sube./ Y crecí en ese mundo de ilusión,/ y escuché sólo a mi propio corazón,/ más la vida no es juguete y el lirismo es un billete sin valor.” Desarrolla la idea, surge la peripecia y estalla, concluyendo: “Hoy me aterra este cansancio sin final,/ hice trizas mi sonrisa, mi ideal,/ cuando miro un barrilete/ me pregunto: ¿aquel purrete dónde está?”

Quizá, acompañando a Astor Piazzolla -quien con su música colgó el tango en los rascacielos-, le corresponda a Eladia Blázquez el honor de haberle cantado al barrio de los barrios, la ciudad, su Buenos Aires, la ciudad megaurbanizada, donde aflora y se cobija el suburbio universal. En “Tu piel de hormigón” le rinde un tributo imperecedero: “En la fachada un cartel/ y el eco fiel de un bandoneón” es una figura simbólica, únicamente asociada al tango. La polis, tras su dureza, guarda un emblema que la aproxima al individuo: “Bajo tu piel de hormigón, arena y cal, tu corazón…”, como para diluir una “tristeza de andén”, la que, justamente, suscita la añoranza de algo querido Que se va consumiendo en el espacio. O que se espera, como con la ilusión de la esperanza. Y, para subrayar la fidelidad del tango al lugar de pertenencia: “Mi Buenos Aires de hoy/ lo que soy te lo doy/ si lo querés.” Un acto pleno de entrega ofrecido, además, en una grabación personal, que es una manifestación impar, sólo comparable a “Mi Buenos Aires Querido”, de Gardel y Le Pera.

Más será con el Maestro Raúl Garello que en 1975 estrenará una obra de excepción, que eriza la piel y apresura el pulso: “El Corazón al Sur”.
Vayan ahora, en algunos de sus versos, el homenaje a la poetisa del tango contemporáneo:
"Nací en un barrio donde el lujo fue un albur,
por eso tengo el corazón mirando al sur.
Mi viejo fue una abeja en la colmena,
las manos limpias, el alma buena.
………………………………………….
Mi barrio fue una planta de jazmín,
la sombra de mi vieja en el jardín,
la dulce fiesta de las cosas más sencillas
y la paz en la gramilla de cara al sol.
Mi barrio fue mi gente que no está,
las cosas que ya nunca volverán,
si desde el día en que me fui
con la emoción y con la cruz
¡yo se que tengo el corazón mirando al sur!"
………………………………………………….

El clásico español Jorge Manrique sentenció en una poesía que resiste los tiempos: “Nuestras vidas son los ríos/ que van a dar a la mar,/ que es el morir”.
En las ciudades en que el cemento se hermana con el acero para buscar el cielo, en lo duro e íntimo de cada mole, seguirán latiendo los versos de Eladia. Vendrán con la suavidad de las viejas habaneras y en ríos de silbidos surcando Avellaneda y ese barrio único en que cualquiera de nosotros es capaz de mirarse y morir.

tangocultura@hotmail.com

LA VERTIENTE ESPAÑOLA

2007-04-21T03:39:00.000-07:00

El afamado escritor español Fernando Díaz-Plaja, residente en Punta del Este en los últimos años, ha dado a conocer su quinta obra en Uruguay. Se trata de un ensayo titulado “El tango y los cuernos”.

Cabe señalar que Díaz-Plaja ha producido 153 obras que versan sobre la vida cotidiana, personajes históricos, documentos de la guerra civil y un enorme bagaje en el que lucen alrededor 20 ensayos. A la vasta lista no escapan novelas, cuentos y anotaciones de viajes. El autor ha dado la vuelta al mundo tres veces y ha dictado conferencias en 12 universidades de 7 países.

El escritor y comentarista literario Enrique Loza Aguerrebere, al dar cuenta del lanzamiento de la obra, señaló que la misma se encuentra unida a los recuerdos tangueros de la infancia y la adolescencia del autor, mencionando que por los años 30 los intérpretes más famosos en España eran Irusta, Fugazot y Demare, siendo el cantor uruguayo Carlos Gardel el paradigma del éxito personal.

Citando conceptos de Díaz-Plaja, menciona que Uruguay y Argentina eran países de inmigrantes, con la peculiaridad que la mayoría de los pobladores fue masculina. Con ello el papel de la mujer subía de forma extraordinaria, al poder elegir su pareja con mayor facilidad que en el caso contrario.
Tal circunstancia social se vio reflejada en las canciones. Luego de esta precisión preliminar, anota Loza Aguerrebere, el trabajo se canaliza en varias secciones, deteniéndose en letras de lo más diversas. Se citan los llamativos casos de semejanzas con antiguas coplas españolas, versos de Calderón de la Barca y de la lírica ibérica, no faltando aproximaciones a “La verbena de la paloma” o a las rimas de Bécquer.

Resulta asimismo atractivo el vocabulario lunfardo/español con el que se cierra el ensayo.
Será de interés examinar los puntos de vista de Díaz-Plaja en un momento en que en el mundo y en el Plata crece la avidez por el tango, ese “sentimiento triste que también se baila”, como ha dicho Ernesto Sábato.

waltercelina1@hotmail.com

POR LOS CAMINOS DEL LUNFARDO

2007-04-21T03:35:00.000-07:00

El tango es una música que en sus inicios se danza y, posteriormente, se canta. Al entrar en su segunda fase se involucra con el idioma materno, es decir, con el español o, si se prefiere, con el castellano.
El medio social en que surge esta manifestación del arte popular impregna la forma hablada que adopta y lo hace con peculiaridades constructivas y, en especial, de vocabulario.
De los tiempos iniciales son títulos como “La catrera” (la cama), “Una noche de garufa” (de fiesta) o “El purrete” (el niño).
Las denominaciones se recuestan a formas de expresión ligadas al ambiente donde se prohijaban aquellas creaciones, gestadas por gentes sencillas.
Los rótulos primigenios no esconden su ligazón con el lunfardo.
Y aquí entramos a la materia de esta nota.

¿Es el lunfardo una lengua especial o un argot? La respuesta es negativa. En efecto, no es un lenguaje específico utilizado por un grupo de personas que compartan ciertas características comunes, vínculos de categoría social, procedencia, profesión, etc.

Siguiendo la opinión del Maestro José Gobello cabe decir que el lunfardo es sólo un repertorio de vocablos. Sus voces sustituyen las corrientes del idioma. No alteran su estructura o sintaxis.
A diferencia del jargon (Francia), del cant (Inglaterra), del rotwelsch (Alemania), del furbesco (Italia), de la germanía (España) o del calao (Portugal) no es un lenguaje de malhechores. Esto no significa que los elementos marginales no lo hayan utilizado pero, a diferencia de los mencionados y, asimismo de lo que se ha sostenido, el lunfardo no se origina en núcleos asociados a la delincuencia.

Los análisis de Gobello permiten detectar la raíz del lunfardo en los dialectos septentrionales de Italia. Las fuentes en que abreva son el genovés, piamontés, lombardo, véneto, fuera de préstamos del idioma italiano, propiamente dicho.
El nacimiento de los términos lunfardos se encuentra en los repertorios léxicos de los dialectos y en las palabras que fueron de uso en estratos sociales modestos y de inmigrantes llegados al Río de la Plata (Buenos Aires, Montevideo, Rosario).
Así pues, el lunfardista trabaja sobre la lengua común platense. Por consecuencia, debe atenerse a las reglas idiomáticas, a las fórmulas del idioma de base, en este caso, del castellano.
Los primeros estudios del lunfardo fueron producidos por Benigno Baldomero Lugones, Antonio Dellepiane, Luis María Drago y José S. Álvarez.

El periodista Lugones, que era escribiente policial, recogió vocablos que circulaban entre muchos delincuentes, de donde derivó la interpretación -bastante extendida- que el lunfardo era una forma propia de comunicación de los malvivientes. Pero, en rigor, se trataba de términos frecuentados en los ambientes de compadritos y capas sociales bajas.
Lugones recogió, en un inicio de su trabajo, 53 palabras lunfardas, 24 de las cuales eran genovesismos. Tales los casos de bacán (hombre que mantiene a una mujer), bufosa (pistola), campana (espía), embrocar (mirar filiando), encanado (preso), espiantar (irse), refilar (robar mediante punga; refilar toco, coimear), vento (dinero), etc.

El lenguaje literario fue introducido en el tango por Ángel Villoldo, aunque prescindiendo del lunfardo. Correspondió al payador Juan de Nava el cultivo del vocabulario orillero y, más adelante, a Pascual Contursi -con “Mi noche triste”- dar entrada al vocabulario utilizado por los descendientes de los inmigrantes. Carlos Gardel ennobleció las estrofas impregnadas de lunfardismo, siendo Celedonio Esteban Flores el que catapultó el lunfardo a su momento cenital.

El lunfardo, como vocabulario marginal, existe a partir de condiciones históricas peculiares.
En la actualidad tiene cultores excepcionales, como el caso de la poetisa Martina Iñiguez, de formidable producción. Esta manifestación de la lengua platense tiene un centro de conservación, estudio y difusión, de gran jerarquía: la Academia Porteña del Lunfardo, orientada por el saber del Maestro José Gobello.

Los tiempos van abriendo los caminos del idioma nacido en la vieja Castilla, que se enrique sin cesar.
Nuevas formas vocabularias se han ido perfilando en el tercer milenio para mostrar remozados términos.
El lunfardo está asociado a la lengua madre y se florea en el tango con renovada vitalidad. Es como si el pasado viajara hacia el futuro con sus ricos acentos.

waltercelina1@hotmail.com

"LA CUMPARSITA” un auténtico himno.

2007-04-19T02:54:00.000-07:00

MÚSICA NUESTRA Y UNIVERSAL

Por aquellas tardes de verano Gerardo Matos Rodríguez llegaba puntualmente a la sede de la Federación de Estudiantes Universitarios del Uruguay, posesionándose del piano Blüthner que engalanaba la gran sala.

A su alrededor, voces chispeantes de entusiasmo, ensayaban letras. No faltaban las guitarras y algunos otros instrumentos de cuerdas y viento.

Se trataba de estudiantes que preparaban su participación en las fiestas de carnaval.

Por entonces los desfiles se animaban con conjuntos de atavíos originales. Carruajes engalanados eran cruzados por redes de serpentinas. Bandas musicales infundían animación a aquel espectáculo único y diverso en que se volcaba la alegría de una población con todos los perfiles sociales y edades.

Cuando la estudiantina, al fin, salió de la casona de la calle Ituzaingó, entre Reconquista y Buenos Aires, recibió el bautismo de los aplausos.

Iban allí, con los atuendos típicos de sus profesiones, los abogados con los ingenieros, los médicos y los profesores, formando una gama multicolor. Los acompañaba una especie de marcha, hecha para la circunstancia por el estudiante de arquitectura Matos Rodríguez.

¿Qué música era ésta, destinada a convertirse en el Himno de los Tangos y en carta de presentación de la identidad rioplatense en el mundo?

Se cuenta que cuando la bullanguera caravana de jóvenes se acercaba al Parque Urbano (hoy Parque José Enrique Rodó), al llegar al establecimiento lechero conocido como “La vaquería”, uno de sus empleados -de origen italiano- exclamó para sus compañeros, en perfecto cocoliche: “¡Ahí viene la cumparsita!”, por la comparsa festiva de los muchachos.
Fue este el bautismo para una melodía que intentaría abrirse paso, primero, en el carnaval y, después, en los ambientes bailables.

En el corazón del Montevideo musical el Café y Confitería “La Giralda” recibía a los intérpretes tangueros más famosos del Río de la Plata. Matos Rodríguez, sobrino de un afamado empresario de la escena, se codeaba con los artistas con habitualidad. El ambiente lo subyugaba.

Su composición llegó en primera instancia a manos del famoso pianista mercedario Carlos Warren y, luego, a las del gran intérprete Minotto Di Cicco. Ambos la observaron con interés y la consultaron con Roberto Firpo. Este la catapultó a la fama. Con su conjunto cautivaba en “La Giralda” y fue allí en que decidió introducirle algunos arreglos en su notación y estrenarla. El suceso ocurrió en abril de 1917, hacen hoy noventa años.

Firpo, con su afinado talento, tomó la partitura a la que le incorporó unos compases de su trabajo “La gaucha Manuela” y otros de la ópera “Miserere”, de Giuseppe Verdi.
Y así vio luz, en el mítico local de la Av. 18 de Julio y calle Andes, donde cinco años después comenzara a levantarse el Palacio “Salvo”.

Lo demás es bastante conocido. La pieza, cuya partitura fuera presentada como “Tango para piano”, fue grabada casi de inmediato por el propio Firpo, por Minotto Di Cicco – Alonso y por Juan Maglio (Pacho).
Simultáneamente, Matos Rodríguez, con apenas veinte años -y siendo inhábil para transferir derechos autorales- vendió su obra la editora “Breyer”, de Buenos Aires, después adquirida por la Casa “Ricordi”.

El autor abandonó sus estudios y partió para Europa, donde actuaría en misión consular en Alemania.

En 1924, Pascual Contursi y Enrique P. Maroni, sin la autorización del autor, le adosaron a la música unos versos, transformando a “La cumparsita” en “Si supieras”. La letra fue cantada en un sainete por el vocalista Juan Ferrari. De inmediato Carlos Gardel produce su memorable grabación. “La cumparsita” había echado a andar y ganaba el sentimiento de los públicos. Tenía un secreto encanto.

A todo esto, Gerardo Matos Rodríguez reivindica su autoría, entabla un juicio de duración histórica e incorpora a su obra un texto propio, sobre el que luego declarará que no le satisfizo en lo mínimo.

Tito Schipa, reputado tenor italiano, registra la nueva letra en 1930. También es tomada por Angelito Vargas con Ángel D’Agostino y por el solista Alberto Gómez.
Aparecerán dos letras más, la última en inglés.

El maestro Juan D’Arienzo realizó sucesivas versiones del tango, todas de carácter bailable. En 1972 declaró: “vendí 18 millones de discos”.

En el séptimo arte “La cumparsita” ha sido distinguida en multitud de películas, desde “Leven Anclas” a “Una Eva y dos Adanes”; fue adoptada por Almodóvar y Woody Allen y muchos más. En 1947, el recordado Hugo del Carril la llevó al celuloide, haciéndolo después el realizador Enrique Carreras.

¿De dónde proviene la seducción universal que suscita este tango, apañado en el viejo Montevideo y acunado por las brisas tangueras de los Warren, los Firpo y los Arolas?
Difícil establecerlo a ciencia cierta.

Un revolucionario del tango, como el eminente Astor Piazzolla, la calificó como “espantosamente pobre” desde el ángulo musical. Pero, a la vez reconoció que “empleando un bajo que la enriquezca se arma un contrapunto que enaltece la melodía convencional”. Y la grabó cuatro veces.

Para el uruguayo Francisco Canaro es la “particular estructura de su música la que se presta maravillosamente para ser enriquecida por orquestaciones de mayor vuelo”.

Los musicólogos Héctor y Luis Bates sostuvieron que “ningún otro tango le da tanto campo al músico para lucirse y, acepta sin reparos, las fugas, las escalas y las armonías”.

El poeta y compositor Horacio Arturo Ferrer destaca que “La cumparsita” “ha sido objeto de toda clase de ornatos, producto muchas veces de ejecuciones “a la parrilla”: contracantos, pasajes contrapunteados y variaciones de la más diversa invención”.

Montevideo y Buenos Aires, Uruguay y Argentina, hermanas de sangre en el nacimiento y perpetuación del tango, nueve décadas después, celebran el genio de Gerardo Matos Rodríguez y dan lustre renovado a la música de las dos orillas. La misma que ganó el firmamento universal y que tiene en “La cumparsita” un auténtico himno.

waltercelina1@hotmail.com

LA CUMPARSITA

Partitura